jueves, 31 de diciembre de 2009

Feliz Año Nuevo



Feliz Año Nuevo

de parte de

P.&C.

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miércoles, 30 de diciembre de 2009

Vaya Con Dios - Vaya Con Dios (1988)





"Vaya Con Dios" es el primer studio album del grupo Vaya Con Dios. Un muy buen Smooth Jazz, que les recomiendo.

Vaya con dios es un grupo de música belga, su estilo habitual es Jazz suave. Fue fundado en 1986 por Dani Klein, Dirk Schoufs, y Willy Lambregt (este último fue sustituido posteriormente por Jean-Michel Gielen).

Dani Klein, la cantante principal, y Willy Lambregt tuvieron un éxito previo con la banda Arbeid Adelt! y decidieron formar la banda Vaya Con Dios junto con el contrabajista Dirk Schoufs, ya que compartían interés en la música gypsy music, jazz, y la ópera - géneros que sentían que no eran apreciados en Bruselas.

Su primer sencillo, Just a Friend of Mine, tenía algo de latino y se convirtió en un éxtio en Francia, vendiendo más de 300.000 copias. Willy Lambregt abandonó el grupo y fues sustituido por Jean-Michel Gielen.

Aunque Vaya Con Dios era un éxito en los países latinos, la banda permaneció siendo desconocida en Holanda, en parte debió a que eran un grupo belga, pero también por su estilo gypsy. En el verano de 1990 finalmente tuvieron su entrada fulgurante en el mercado holandés con "What's a Woman?" alcanzando el número uno por tres semanas, convirtiendo a Vaya Con Dios en la segundos artistas belgas en alcanzar el número uno en Holanda. (El primero fue Ivan Heylen en 1974).

En 1991, Dani Klein y Dirk Schoufs decidieron separarse, y desde entonces Klein sigue a la cabza del grupo con varios músicos. El 24 de mayo de 1991, Schoufs murió por causa de una enfermedad agravada por el SIDA. (Contrajo el VIH debido a su adicción a la heroína). Su tercer álbum, Time Flies, es mucho más melancólico que sus predecesores.

Aunque la música y la composición de la banda cambiaran, Vaya Con Dios siguió siendo popular en Europa - especialmente en Francia, Alemania y en los países escandinavos - hasta 1996, cuando Kein dejó la música debido al cansancio. Regresó en 1999 como cantante en el grupo Purple Prose. Vaya Con Dios regresó en 2004 con un nuevo álbum titulado The Promis, con una compañía independiente.

En 2006, se lanzó un álbum de grandes éxitos "The Ultimate Collection", con un DVD del concierto acústico de Bruselas, y algunos extras, como una entrevista con Danu, algunas foto. "Pauvre Diable" fue el primer sencillo.

Regresan en 2009 con "Comme On Est Venu...".

En total, Vaya Con Dios ha vendido más de 7 millones de álbums y más de 3 millones de sencillos.


***

Tracklist:

01. Don't Cry For Louie
02. The Moonshiner
03. Loard Help Me Please
04. Lay Your Hands
05. Lulu's Song
06. Just A Friend Of Mine
07. I Sold My Soul
08. One Silver Dollar
09. Philadelphia
10. Remember
11. Puerto Rico
12. Johnny


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Serú Girán - Serú Girán (1978)



Después de disolver La Máquina de Hacer Pájaros, en 1977, Charly García se reúne con el músico David Lebón y se mudan a Brasil, a una casa alquilada en Buzios para componer y ensayar temas nuevos. Charly vuelve a Buenos Aires y alquila un camión para pasar los equipos de sonido a Brasil y llevarlos a un estudio de grabación en San Pablo. Durante esa estadía en Buenos Aires, recluta una vez mas al baterista Oscar Moro y a un virtuoso bajista hasta el momento desconocido: Pedro Aznar. Tras grabar el disco debut de Serú Girán, vuelven a Buenos Aires y se presentan por primera vez el 28 de julio de 1978, en el Luna Park junto a otras bandas populares de ese momento. Tras ese, que fuera un fallido debut, Charly parte a Los Angeles (Estados Unidos) para mezclar el disco y para que una orquesta de cuerdas de 24 integrantes -dirigida por Daniel Goldberg- le pusiera una sección de cuerdas a los temas “Eiti Leda” y “Serú Girán”.

Este disco incluye verdaderos clásicos, como “Eti Leda”, tema que ya tocaba Charly en Sui Generis sin haber llegado antes al disco, “El mendigo en el anden” y “Seminare”, uno de los cinco mejores temas del rock argentino. La curiosidad fue la letra del tema “Serú Girán”, que terminó dandole el nombre al grupo: está íntegramente compuesta por palabras inventadas por García al componerlo, priorizando la lectura musical antes que un significado concreto. Todos los temas son de Charly García, excepto “El mendigo en el andén” y “Voy a mil”, en los que comparte la autoría con David Lebón, quien es a su vez autor del último track.

Serú Girán fue el grupo de rock más exitoso y popular de la historia del rock argentino. Ganó en todas las encuestas de medios especializados de la época en las categorías de Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Bajista, Mejor Baterista, Mejor Compositor y Mejor Grupo en Vivo en los años 1978, ‘79, ‘80 y ‘81 (todos los años en que estuvo activo). A esto hay que sumarle Grupo Revelación 1978; Mejor Cantante (Lebón) ‘80 y ‘81; Mejor Tema 1978 (”Seminare”) y 1981 (”Peperina”) y Mejor Album de 1978, justamente por este trabajo que aquí presentamos.

Músicos:

Charly García: teclados, voz
David Lebón: guitarras, voz
Pedro Aznar: bajo, voz
Oscar Moro: batería

Invitados:
Syd Sharp: violín
Daniel Goldberg: arreglos y dirección de Orquesta.
Grupo Nova Conciencia: percusión adicional.

Tracklist:

01. Eiti-Leda
02. El Mendigo en el andén
03. Separata
04. Autos, jets, aviones, barcos
05. Seru Giran
06. Seminare
07. Voy a mil
08. Cosmigonón


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lunes, 28 de diciembre de 2009

La Máquina De Hacer Pájaros - La Máquina De Hacer Pájaros (1976)








Charly García (Buenos Aires, el 23 de octubre de 1951) es compositor, productor, cantante y músico multi-instrumentista. Figura emblemática desde los orígenes del rock argentino, fue fundador de bandas como Sui Géneris, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán. A partir de 1982 comenzó su carrera solista que se mantiene hasta la actualidad. Autor de decenas de canciones que forman parte del inconsciente colectivo argentino es, junto a Luis Alberto Spinetta, el músico más importante del género.

La Máquina de Hacer Pájaros es la banda que fundó Charly García tras la disolución de Sui Generis. Es un proyecto novedoso que abandona el folk tan exitoso del dúo fundacional del rock argentino, y de hecho fue el mejor intento de rock sinfónico en Argentina. Para empezar, el grupo tenía dos tecladistas: el propio García, y Carlos Cutaia para secundarlo creando climas verdaderamente cautivantes. El baterista fue Oscar Moro, que había sido parte del primer grupo de rock de Buenos Aires (Los Gatos), y completaban la formación Gustavo Bazterrica (años después integrando Los Abuelos de la Nada) y el bajista José Luis Fernández.

El nombre de la banda surgió del de una historieta que publicaba una revista de humor de la provincia de Córdoba, Argentina, llamada “Hortensia”. Allí el dibujante Crist (seudónimo de Cristóbal Reynoso), firmaba “García y la máquina de hacer pájaros”. No fue difícil amalgamar aquel título con el nombre del grupo. De hecho, el álbum debut de la banda que aquí presentamos tenía como cubierta un episodio completo de la historieta hablando sobre el disco. Dentro de ese sobre, lo que muchos hoy creen que era la tapa del disco, con una foto de la banda “pintada” por el artista Juan Oreste Gatti, que en realidad era el sobre interno del L.P. El disco fue grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires entre julio y septiembre de 1976.

Toda esta información, más los datos de la ficha técnica nunca estuvo presente en la pobrísima edición en CD que este álbum tuvo en 1991, fecha desde la que está fuera de catálogo.

Ademas de su música y sus letras (todo compuesto y arreglado por Charly García), este disco está en el fondo de mi corazón porque fue el primero que compré, a la edad de 13 años.


Músicos:

Charly García: teclados, voz
Carlos Cutaia: teclados
Gustavo Bazterrica: guitarra
José Luis Fernández: bajo
Oscar Moro: batería

Invitados:

Nito Mestre y María Rosa Yorio: coros en 02.
Héctor Dengis y Ana Quatraro: coros en 04

Tracklist:

01. Bubulina
02. Cómo mata el viento norte
03. Boletos, pases y abonos
04. No puedo verme más
05. Rock and roll
06. Por probar el vino y el agua salada
07. Ah, te vi entre las luces


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La Máquina De Hacer Pájaros - Películas (1977)





Segundo –y último- de esta banda liderada por Charly García. Antes de ir a Brasil y comenzar la historia de la mas grande banda del rock argentino: Serú Girán.

Con una calidad superior al primer disco, tanto en las composiciones como en la interpretación, este álbum es una verdadera joya que vira más hacia el rock progresivo que hacia lo sinfónico. La complejidad no sólo estaba en los arreglos y en los solos, sino hasta en los títulos: cada tema tenía, además de su título, una especie de subtítulo, o acotación sobre la misma (que he agregado entrecomillada debajo de cada título en el tracklist, tal como está en la tapa original).

Grabado otra vez en Estudios Ion en el otoño-invierno de 1977, todas las composiciones tienen letra de Charly García, pero la música estuvo repartida entre los integrantes de la banda. Y un detalle: en épocas en las que ni se soñaba con la existencia de un sampler, en el tema 04, se introduce el sonido de un clásico filme argentino titulado “Casa de Muñecas”, con la voz de la actriz Delia Garcés.

Toda esta información, más los datos de la ficha técnica nunca estuvo presente en la pobrísima edición en CD que este álbum tuvo en 1991, fecha desde la que está fuera de catálogo.


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Mina - Sabor a Mina...Y Más P.&C. (1992-1999)




No es novedad que Mina cante en español. Lo hizo casi desde el principio, en los tempranos sesenta, cuando era una chiquilina y se entregaba al ritmo sabroso de "Moliendo café" o descubría el dramatismo del bolero en "Sabor a mí" o "La barca". Aquí he reunido temas de dos álbumes en español de Mina: "Sabor a Mina" de 1999 venía como anexo en el periódico italiano Unità Musica n° 21 y aquí está completo. Además están las pistas 17 a 23 que son extraídas de "España, Mi amor" de Fonit Cetra, 1992.

Gráfica adaptada por P.&C.


***

Tracklist:

01. Sabor A Mi
02. Un Hoyo En La Arena (Un Buco Nella Sabbia)
03. Si Lloras, Si Ries (Se Piangi, Se Ridi)
04. Que Harás (Tu Farai)
05. Ciudad Solitaria (It's A Lonely town; Città Vuota)
06. La Inmensidad (L'immensità)
07. Angustia
08. Ninguem Me Ama
09. Ahora O Jamás (Ora O Mai Più)
10. Canta Muchachita (Canta Ragazzina)
11. Yo Soy La Que Soy (Io Sono Quel Che Sono)
12. Y Si Mañana (E Se Domani)
13. Si No Estuvieras Tu (Se Tu Non Fossi Qui)
14. Un Año De Amor (C'est irréparable-Un Anno D'amore)
15. Adiós (Addio)
16. Mi Hombre Será (He Walks Like A Man-È L'uomo Per Me)
17. El reloj
18. El ángel de la guarda
19. Que harás
20. La barca
21. Caminemos
22. Uno
23. Insensatez



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domingo, 27 de diciembre de 2009

Mort Shuman - Imagine (1976)




Mort Shuman (de verdadero nombre Mortimer) fue un compositor, cantante y actor anglo-americano, de lengua francés e inglés, nacido en Brooklyn el 12 noviembre de 1936, y fallecido en Londres el 3 de noviembre de 1991.

Compone junto con su amigo Doc Pomus que se encarga de los textos y pronto se dan a conocer escibiendo éxitos para las estrellas pop y rock, como Elvis Presley, para el que componen "Viva Las Vegas" y "(Marie's the Name) His Latest Flame".

Se establece en Inglaterra donde sigue componiendo; conoce a Jacques Brel.
En 1968 traduce al inglés los textos de Jacques Brel, que utiliza para escribir, producir y llevar al éxito la producción teatral titulada "Jacques Brel Is Alive and Well and Living In Paris".
Sus canciones, a menudo adaptadas al francés, le dan la idea de establecerse en París, ciudad con la que se ha encontrado siempre en perfecta armonía: de hecho, incluso compuso un musical (nunca representado) sobre la historia de la ciudad.

Sus canciones son un gran éxito, particularmente "Le Lac Majeur", que pogo como bonustrack de este álbum, que dura más de cinco minutos; inicialmente rechazada por las estaciones de radio que la encuentran demasiado larga, la demanda es tal que se ven en breve obligados a difundirla nuevamente.
Las grabaciones siguen y los éxitos también (Allo Papa Tango Charlie, Sha Mi Sha, Sorrow, Un Eté de Porcelaine, Brooklyn by the Sea) más Mort Shuman, tímido y preferiendo concentrarse en la composición, aparece muy poco en los escenarios.
Fallece el 3 de noviembre de 1991 en Londres, a la edad de 54 años, después de una operación de hígado.

"Immagine" es su cuarto álbum como intérprete.


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sábado, 26 de diciembre de 2009

Connie Francis - In The Summer Of His Years (1964)



Después de una larga pausa debida a problemas con mi computer, regreso con Connie Francis y este excelente disco de 1964. El sencillo que da el nombre al álbum, "In The Summer Of His Years", clasificó al # 46 en el Billboard de Estados Unidos, y es un tributo al recién desaparecido John Fitzgerald Kennedy.

El disco quedó en el # 126 del Billboard Top Pop albums.

Como todos los de Connie es un disco que no se pueden perder.


***

Tracklist:

01. In The Summer Of His Years
02. The Bells Of St Mary
03. Too-Ra-Loo-Ra-Loo-Ral (That's My Irish Lullaby)
04. The Lord's Prayer
05. My Buddy
06. God Bless America
07. Ave Maria
08. Red River Valley
09. Danny Boy
10. True Love, True Love
11. Every Night (When The Sun Goes Down)
12. Aura Lee


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jueves, 24 de diciembre de 2009

Michael Jackson - This Is It (DVD 2009)




“Michael Jackson´s This is it” nos da a los fans de Jackson y a los amantes de la música alrededor del mundo, una vista de los intensos ensayos y la preparación de sus conciertos en la Arena O2 de Londres, que fueron registrados en video y, poco meses después del deceso del cantante, han sido editados. Fue estrenado mundialmente el 28 de octubre pasado, y la filmación tuvo lugar entre los meses de marzo y junio de 2009, y es el resumen de más de cien horas de video.

Kenny Ortega, quien era socio creativo de Michael Jackson y el director de la puesta en escena de sus conciertos, también dirigió la película.

En este año que ha sido signado por su muerte, desde aquí queremos hacerles –y hacernos- este regalo de Navidad.



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miércoles, 23 de diciembre de 2009

Aretha Franklin – The Gospel Soul Of Aretha Franklin (1957)



Aretha Franklin es una de las gigantes de la música soul en particular y de la música del siglo 20 en general. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis. Ha ganado 19 premios Grammy, incluído el “Legend Award”, en 1991. En 1987 fue la primera mujer incluida dentro del Rock and Roll Hall of Fame, y en 2005 la revista Rolling Stone la posicionó en el puesto 9 dentro de los "100 mejores artistas de todos los tiempos"; siendo la primera mujer en la lista.
El estado de Michigan (EEUU) declaró su voz como "tesoro natural" y fue la primera mujer negra en aparecer en la portada de la revista Time.

Sus raíces en el gospel son profundas. Con sus hermanas Carolyn y Erma cantaba en la iglesia de Detroit de su padre, el Reverendo C.L.Franklin. De hecho, su primera grabación (que aquí presentamos) fue hecha a la temprana edad de 14 años. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.

Este álbum fue originalmente grabado en 1956 y editado un año después. Presenta lindas canciones del género cantadas (acompañándose con el piano) por la niña prodigio que sería más tarde una de las mejores cantantes de todos los tiempos.


Tracklist:

01. There Is A Fountain Filled With Blood
02. Precious Lord (Part 1)
03. Precious Lord (Part 2)
04. You Grow Closer
05. Never Grow Old
06. The Day Is Past And Gone
07. He Will Wash You
08. White As Snow
09. While The Blood Runs Warm
10. Yield Not To Temptation



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Aretha Franklin – I Never Loved A Man The Way I Love You (1967)





“I never loved a man the way I love you” es el primero de sus discos editado por la discográfica Atlantic, y se puede decir que es su obra suprema. Es un conjunto de grandes canciones que pasaron a la historia como verdaderos clásicos, encabezados por la indestructible “Respect”.

Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó dentro de Atlantic fue “I never loved a man the way I love you”, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals, en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul. El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo harían con mucha más fuerza “Respect” -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis.

El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles “Drown in my own tears”. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora, con los temas “Don't Let Me Lose This Dream”, “Baby, Baby, Baby, Save Me” y “Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)”.

Está producido por Jerry Wexler; habitual de Aretha y responsable de su sonido anterior en el sello Columbia. Wexler creó un material ideal para hacer a Aretha subir definitivamente al trono del soul, a lo que ella respondió con las interpretaciones más brillantes y apasionadas de toda su carrera. No contiene ninguna colaboración vocal, a excepción de la de los coros por parte de las hermanas Franklin (Carolyn y Erma).


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Aretha Franklin - Spirits in the dark (1970)





“Spirit in the dark” tiene el alma de Aretha Franklin, eso que todos admiramos. En cada track está subrayado por su piano acostumbrado al gospel. Un album con arreglos impresionantes: frescos, inocentes, pero con un gran fondo de rock y soul. Aretha escribió cinco de los temas de este disco y son, además de excelentes composiciones, un vehículo ideal para su voz. Y sólo dos ya habian sido hits antes de esta grabación: “The thrill is gone” y “Why I sing the blues”, y ambos son mucho más que una nueva versión de éxitos. Un disco con dulce música soul hecho como sólo Aretha Franklin podía hacerlo


Tracklist:

01. Don't Play That Song
02. The Thrill Is Gone
03. Pullin'
04. You And Me
05. Honest I Do
06. Spirit In The Dark
07. When The Battle Is Over
08. One Way Ticket
09. Try Matty's
10. That's All I Want For You
11. Oh No Not My Baby
12. Why I Sing The Blues


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martes, 22 de diciembre de 2009

Luis Alberto Spinetta - Un mañana (2008)





Luis Alberto Spinetta nació el 23 de enero de 1950 en Buenos Aires. Es músico, poeta y compositor, considerado uno de los más importantes de la Argentina. Su carrera, que lo tiene como uno de los pioneros del rock en castellano, abunda en obras de gran complejidad tanto instrumental, lírica y poética.

Fue fundador y miembro de grupos fundamentales del rock argentino como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade, Los Socios del Desierto y editó también una larga serie de discos solistas. Muchos de esos albumes son considerados clásicos absolutos.

El 21 de julio de 2009, fue galardonado con el Gardel de Oro por CAPIF (la cámara de productores fonográficos de Argentina) a partir de su disco Un mañana, que también se llevó los galardones a Mejor Álbum Artista de Rock; Mejor Diseño de Portada; Mejor Video Clip; Canción del Año y Álbum del Año. Este disco tuvo una nominación a un Grammy Latino en la categoría "Mejor Album de Rock Vocal". Todos los temas pertenecen en letra y música a Spinetta, excepto “Hombre de luz”, de Luis Santiago Spinetta (su padre).


Músicos:

Luis Alberto Spinetta: guitarras, voz
Claudio Cardone: teclados
Sergio Verdinelli: batería
Nerina Nicotra: bajo

Guitarristas Invitados:
Nicolás Ibarburu en “Tu vuelo al fin” y “Canción de amor para Olga”
Baltasar Comotto en “Vacío sideral”
Sartén Asaressi en “Mi elemento”


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Almendra - Almendra (1969)





Un disco fundamental, no solo para hablar de la historia del rock en español y del rock argentino, sino para establecer el punto de partida de uno de los más grandes músicos que ha dado la Argentina: Luis Alberto Spinetta.

Es el primer LP de Almendra, agrupación comandada por Spinetta, de cuya edición acaban de cumplirse cuarenta años. Fue revolucionario desde el arte de tapa, pasando por la lírica y, claro, la música.

Todos sus temas son hoy clásicos del rock argentino, pero tal vez el más emblemático sea “Muchacha (ojos de papel)”. La canción fue un éxito inmediato. Estrenada el 22 de junio de 1969, seis meses antes del lanzamiento del álbum, atrapó a la juventud que la convirtió en un símbolo de la época. Ha sido considerada como la segunda mejor canción del rock argentino, en el ranking de la revista Rolling Stone Argentina.

Músicos:

Emilio del Guercio: Bajo, flauta dulce y voces.
Rodolfo García: Batería, percusión y voces.
Edelmiro Molinari: Guitarras, teclados y voces.
Luis Alberto Spinetta: Guitarras, teclados y voces.

Invitados:
Rodolfo Mederos: Bandoneón
Rodolfo Alchourrón: Arreglos orquestales


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Patty Pravo - Circola Un Video Su Di Me (2009)





Compartimos aquí el CD del nuevo trabajo de Patty Bravo (también incluye un DVD), cuyo título refiere a las filmaciones amateur que se realizan subrepticiamente en los conciertos de la artista y que luego circulan “de contrabando” entre sus fans. El video está realizado con las mas avanzadas técnicas mezclando la filmación profesional con medio centenar de filmaciones de cámaras de los espectadores.

En cuanto al CD de audio, fue registrado en la Arena de Verona el 18 de septiembre de 2008, y como pueden ver en el tracklist, contiene los mayores éxitos de la carrera de Patty Bravo, con un sonido realmente “vivo”.


Músicos:

Stefano Barzan: dirección de orquesta
Lele Melotti: batería
Dave Wecki: batería
Tony Levin: bajo
Paolo Costa: bajo
Giorgio Cocilovo: guitarra eléctrica
Andra Cutri: guitarra clásica



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sábado, 19 de diciembre de 2009

V.A. - Cafe De Los Maestros (2005)






En el transcurso de varias décadas, Gustavo Santaolalla construyó una impresionante carrera como músico, compositor y productor. Comenzó su carrera siendo adolescente co-fundando la banda de rock Arco Iris (en 1967), con la que grabó varios discos fundamentales en los comienzos del rock en castellano. Cuando estalla la dictadura militar en 1976 en Argentina, se exilia en Los Angeles, Estados Unidos, donde comenzó una modesta carrera como productor que se tornó revolucionaria en la década de 1980. Comenzó con algunas bandas de la escena latina, y terminó coronando su trabajo con artistas como Juanes, Molotov, Gipsy Kings, Bersuit Vergarabat, Café Tacuba o Julieta Vanegas entre otros muchos. También produjo muchas músicas para películas de éxito como “Amores perros”, “Diarios de Motocicleta”, o “El Secreto de la Montaña”. A todo esto, siguió grabando esporádicamente como intérprete.

En la década de 2000, Santaolalla se acerca al tango. Y así produce un movimiento de renovación creando el así llamado “tango electronico”, fundando la banda “Bajofondo”, con la que lleva grabados varios álbumes. Pero conocedor de la música argentina como pocos, se impuso un desafío mayor. Así nace este proyecto: Café de Los Maestros, una especie de versión tanguera del Buena Vista Social Club. Fue él quien rescató del olvido y unió a varias leyendas del tango argentino, incluyendo músicos y cantantes de la “guardia vieja” del tango. La presentación del disco (también se realizó un documental estrenado en cines) fue en el Teatro Colón de Buenos Aires el 24 de agosto de 2006. El álbum que aquí presentamos es el fruto de ese trabajo, que ganó el Grammy de 2006.

Todos estos geniales músicos volvieron a pisar un estudio para grabar este disco que los reúne como nunca antes, y que los retrata hoy. La aventura de Café de los Maestros puso a Leopoldo Federico de nuevo al frente de su orquesta y a la mítica cantante Nelly Omar otra vez delante del micrófono. Trajo desde Uruguay a Lágrima Ríos, y la reunió con el guitarrista Aníbal Arias. Actualizó el medio siglo de historia del dúo Horacio Salgan-Ubaldo De Lio y rescató material inédito (la orquestación de Taquito militar por Martín Darré, que el compositor Mariano Mores grabó aquí por primera vez) y reconstruir arreglos históricos.

Un disco formidable con imborrables artistas del tango, dejando su huella marcada a fuego, una vez mas.


CD 1

01. Carlos García y su Orquesta
Al Maestro con nostalgia
02. Lágrima Ríos y Aníbal Arias
Vieja viola
03. Atilio Stampone y su Orquesta
Orgullo criollo
04. Quinteto Baffa-De Lío
Pa’ la guardia
05. Virginia Luque
La canción de Buenos Aires
06. Osvaldo Berlingieri y su Orquesta
A mis viejos
07. Leopoldo Federico y su Orquesta
Al galope
08. Alberto Podestá
Percal
09. Emilio Balcarce y su Orquesta
Si sos brujo
10. Nelly Omar
Viejo jardin
11. Carlos Lazzari y su Orquesta
La cumparsita
12. Horacio Salgán y su Orquesta
La llamo silbando
13. José Libertella
Romantico bandoneon
14. Mariano Mores y su Orquesta
Tanguera


CD 2

01. Leopoldo Federico y su Orquesta
Sueño de tango
02. Lágrima Ríos y Gustavo Santaolalla
Un cielo para lod dos
03. Carlos Lázzari y su Orquesta
La puñalada
04. Juan Carlos Gody con Cristobal Repetto
Alma en pena
05. Emilio de la Peña
Loca bohemia
06. Quinteto Baffa-De Lío
Chiqué
07. Oscar Ferrari
Será una noche
08. Horacio Salgán y su Orquesta
A fuego lento
09. Gabriel Chula Clausi
Mariposita
10. Osvaldo Berlingieri y su Orquesta
Tierra querida
11. Leopoldo Federico y su Orquesta
Suite de tangos
12. Atilio Stampone y su Orquesta
Mi amigo Cholo
13. Mariano Mores y su Orquesta
Taquito militar


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viernes, 18 de diciembre de 2009

Barbra Streisand - ButterFly (1974)






El primer álbum de estudio de Barbra Streisand con nuevas grabaciones que no sean temas de bandas sonoras, después de tres años.
Cuando este álbum salió en 1974, fue tratado como una broma entre los críticos y la gente de la industria musical, simplemente porque al entonces pareja de Barbra amour, Jon Peters, se le dio el crédito de productor. Hasta ese momento era conocido como un peluquero y empresario de éxito, al parecer sin talento musical o experiencia. ¿Quién sabe qué tanto control o responsabilidad realmente tuvo en el proyecto?
Tom Scott, saliendo de una carrera muy exitosa con Joni Mitchell en el álbum "Court & Spark", fue contratado como coordinador musical. Creo que es seguro decir que Tom fue el principal colaborador musical de Barbra en este proyecto.
Y, en retrospectiva, este álbum es muy subestimado. Sí, a veces Barbra esfuerza demasiado para "roquenrollear", sobre todo en "Life On Mars" de David Bowie, pero no obstante hace un buen trabajo. Algunos de los temas son absolutamente de primera clase, en particular, "Love in the Afternoon", "Simple Man", "I Won't Last a Day Without You" (que es el más cercano a la típica Barbra's de los 70) y "Let The Good Times Roll". Y algunos de los temas menos exitosos como su incursión en el soul en el clásico de Bill Withers "Grandma's Hands" son, visto muchos años más tarde, lunos intentos interesantes de crecimiento de parte de Barbra.
Este álbum es mucho más interesante y agradable que varios posteriores repetitivos álbumes "Adult Contemporary" como "Songbird", "Wet" y especialmente "Emotion", en el que tocó fondo; esos discos tienen muy pocas canciones decentes. "Butterfly", por otro lado, es divertido de principio a fin.

El disco ha sido reeditado en Cd en 1990.

Si eres un fan de Barbra probablemente te guste, a mi me gustó!


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jueves, 17 de diciembre de 2009

Billy Vaughn - Sail Along Silvery Moon (1997) 6 Cd Box Set











Billy Vaughn (12 de abril de 1919 - 26 de septiembre de 1991, Glasgow, Kentucky) mantuvo una larga carrera como productor de éxitos y líder de orquesta durante los 50 y mediados de los 60. Tras unirse al sello Dot en 1955 como director musical de la división pop vocal, Vaughn se convirtió en el hombre que estaba detrás de numerosos artistas de éxito, como Pat Boone, The Fontane Sisters y Gale Storm. Sus arreglos eran limpios y agradables. Como artista de grabación tuvo algunos temas de éxito, como el single de 1954 “Melody of Love” (el primer tema de este álbum). Desde 1958 a 1970 36 de sus grabaciones ocuparon las listas de éxitos americanas.

El tema que da el título a esta colección, Sail Along Silvery Moon", fue uno de sus hits en 1957.

Billy Vaughn combina la exuberancia de las grandes bandas con la energía del rock and roll '. Además de ser director musical de Pat Boone, Billy dirigió a su propria orquesta de estudio que obtuvo más de 25 hits a lo largo de 12 años, y fue la gran banda más popular de los años cincuenta. Los seis Cd en este box set incluyen todas las grabaciones de Billy Vaughn desde 1954 hasta principios de noviembre de 1958, incluyendo los éxitos inolvidables como "Melody Of Love", "The Shifting Whispering Sands", "Sail Along Silvery Moon", "Raunchy", "The Theme From The Threepenny Opera (Mack The Knife)", "When The White Lilacs Bloom Again", "La Paloma", "Cimarron", y "Blue Hawaii", así como todos los álbumes de esta época, como "Sweet Music And Memories", "The Golden Instrumentals" e "Instrumental Souvenirs". También se incluyen 15 inéditos.


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Shirley Bassey – The fabulous Shirley Bassey (1959)





Este es el primer disco que Shirley Bassey grabó para el sello Columbia. Y cuando uno lo escucha tiene la inmediata sensación de cuán amplia es la capacidad de Shirley para vocalizar y para interpretar cada canción, desde el swing de “A foggy day in London” hasta el sentimental “The party´s over”. Shirley elogió los excelentes arreglos del director musical Geoff Love. Geoff fue responsable del acompañamiento de muchísimos artistas (una lista enorme para citar aquí), y sus palabras al terminar la grabación del album fueron categóricas acerca de su opinión sobre Shirley Bassey: “Cuándo empezamos otro?”


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miércoles, 16 de diciembre de 2009

Screamin’ Jay Hawkins - Black Music For White People (1991)





Su nombre era Jalacy J. Hawkins, pero es conocido como Screamin’ Jay Hawkins. Nació el 18 de Julio de 1929 en Cleveland (Ohio), Estados Unidos. Su madre vivía en Washington D.C., pero por razones desconocidas, la subieron en un autobús con destino a Cleveland, donde llego justo a tiempo para parir y meter a su hijo en un orfanato, del que fue adoptado con 18 meses de edad por unos indios Pies Negros. Su madre adoptiva tenia un montón de hijos, cada uno de un padre distinto, hasta el punto de que el propio Hawkins llegó a dudar del numero de hermanos que tuvo.

Siendo un niño, aprendió a tocar el piano y a componer música en el conservatorio de Ohio. Con 14 años empieza a boxear, deja el instituto y miente sobre su edad para poder ingresar en la armada y luchar en la segunda guerra mundial. Comenzó a tocar el saxo en el ejercito. Tras 3 años en la armada, cambia a la fuerza aérea, además de ese trabajo, se sacaba un sobresueldo como boxeador, llego a ganar alguna competición amateur y consiguió el titulo de los pesos medios de Alaska.

Su primer trabajo como musico lo consigue en la orquesta de Tiny Grimes, y en 1952 se dedicaba por completo a la música. A principios de 1953 llega su oportunidad, Tiny Grimes le deja grabar una composición propia llamada “Screamin’ Blues” en una sesión para Atlantic Records. Algunas discrepancias con Ahmet Ertegun (director de la Atlantic) durante la grabación por la forma de cantar de Screamin’, y el hecho de que este terminó pegándole un puñetazo en la boca a Ertegun, hicieron que la grabación no se editase y que perdiera su empleo en la orquesta.

En 1954 saca su primer single “Baptize Me In Wine”, que aunque no le ayudo a conseguir el éxito, si le sirvió para ser considerado como una joven promesa, obtener actuaciones y realizar alguna grabación más hasta que en noviembre de 1955 registró su canción mas famosa “I Put A Spell On You" para el sello Grand Records. Esa canción marcó un antes y un después en su carrera, antes de ella era solo Jay Hawkins, pero después fue el autentico Screamin’ Jay Hawkins. La canción fue prohibida en las emisoras de radio de todo el país, decían que era “canibalistica,” que sonaba “como un hombre comiéndose a alguien”, así que recortaron las partes ofensivas, y se convirtió en un gran éxito.

En el 58 graba su primer LP, “At Home With Screamin’ Jay Hawkins”, y hace una gira por los Estados Unidos. Desde el ‘59 al ‘62, estuvo 22 meses en prisión, sin que haya mas datos al respecto.

En los 70 sigue grabando discos y actuando, vive entre Hawai, Nueva York y Europa. Su situación económica mejora debido a los royalties que cobra por las versiones que han hecho Nina Simone y Creedance Clearwater Revival, en tanto que en la década de 1980 empieza a trabajar como actor y participa de varias películas.

En su ultima época actúa en diversos festivales de blues y de jazz. En la década de 1990 es en la que mas versiones se han hecho de canciones de sus canciones, desde Elvis Costello hasta Marilyn Manson, y su música se usa en multitud de programas de televisión.
Murió el 12 de febrero de 2000 en Neuilly-sur-Seine (Francia) con 70 años, dejando 57 hijos según sus propias cuentas.


Músicos:

Screamin' Jay Hawkins: voz y piano
Michael Keneally: guitarras, teclados, coros
Tonio: Rap en "I put a spell on you"
Rick Shannon: batería, percusión, coros
Bara Southern: saxo
Dana Garret: saxo
Bo Diddley Jr.: guitarras
Mark Goldberg: bajo eléctrico
Julie Syperda, Meredith Marshall: coros


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martes, 15 de diciembre de 2009

Petra Magoni & Ferruccio Spinetti - Musica Nuda (2004)







Petra Magoni y Ferruccio Spineti son dos músicos italianos con una larga carrera que unieron su talento para este trabajo.

El proyecto “Musica Nuda” nació hace cinco años por casualidad. En 2003 se cruzaron: Petra Magoni es la esposa del pianista Stefano Bollani, y Ferruccio Spinetti era uno de los miembros de l grupo Avion Travel. En aquella época Petra quería hacer una pequeña gira en algunos pequeños clubes de su Toscana. Hace la primera actuación acompañada por un guitarrista que, luego de la primera función, se enferma. En lugar de suspender el resto, Petra le propone a Ferruccio que la acompañe, casi a último minuto. Y él acepta. El éxito fue tan rotundo que ambos decidieron seguir presentándose juntos, haciendo un repertorio basado en sus gustos personales.

Este es su primer disco. Un disco aparentemente muy sencillo, ya que sólo tiene la voz (celestial!) de Petra y el contrabajo de Ferruccio, y fue grabado entero en una sola tarde. Con estos dos elementos logran un disco maravilloso. El repertorio es variadísimo: pop, música disco, canción italiana, jazz, baladas… El trabajo de Musica Nuda es la deconstrucción de esas canciones que todos conocemos, para reelaborarlas y darles una nueva mirada, un sabor distinto, una magia y una gracia diferentes.

La voz de Petra es clara como el agua, pero potente y con un registro asombroso. Ferrucio demuestra su calidad convirtiéndose en una orquesta de un solo instrumento, jugando con los silencios y la voz de Magoni.


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Petra Magoni & Ferruccio Spinetti - Musica Nuda 2 (2006)





En marzo de 2006 Magoni y Spinetti publican la secuela del disco anterior, pero esta vez es un disco doble, superando las ventas del disco precedente. El álbum contiene dos CD, el primero con solos de Petra & Ferruccio, y el segundo con artistas invitados.

En otoño de 2006 Petra y Ferruccio ganan el Premio-Targa Tenco - categoría Intérpretes - y el premio "Mejor Gira" en el PIMI (Premio Italiano Musica Indipendente) y en el MEI de Faenza.


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Petra Magoni & Ferruccio Spinetti - Musica Nuda 55/21 (2008)







Este es el tercer capítulo del proyecto de Magoni & Spinetti, y el título es una derivación cabalística (55: música – 21: desnuda, en la cábala napolitana).

El disco tiene una dimensión más intimista que los trabajos precedentes, especialmente en las versiones de “Anema e core”, o “While my guitar gently weeps”. La nostalgia y el romanticismo se traslucen en “Chanson des vieux amants” de Jacques Brel (que cuenta con la participación del pianista Stefano Bollani). Y para experimentar con la canción italiana están el track que abre el disco, o “Si viaggiare”, de Lucio Battisti, entre otras. Y no falta la bossa nova: “Io so que ti amero (Eu sei que vou te amar)”, de Vinicius y Jobim. Por primera vez, también hay temas propios… y no desentonan para nada con el excelente nivel del disco.


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lunes, 14 de diciembre de 2009

Perry Como - Seattle (1969)




Perry hace swing!

"A los estadounidenses les gusta cantar canciones de amor a sus ciudades. Las calles, los cielos, los ríos, las pintorescas viejas tradiciones de lugares como San Francisco y Chicago han tenido siempre la el poder de tocar el corazón con los recuerdos de tiempos dulces y jóvenes. Ahora, Perry Como añade Seattle a la lista de ciudades
celebradas con su nuevo éxito.

Pero ni siquiera es hecho de que los cielos de Seattle son los más azules y que las colinas de la ciudad son las más verdes: es el swing con el que Perry interpreta las canciones!
Y eso es lo que hace que todo el álbum en un éxito: el acercamiento de Perry al swing para este conjunto de buenas nuevas canciones."

Otro excelente álbum, se lo recomiendo!

Produced by Andy Wiswell and Chet Atkins.
Recorded in RCA's Studios A and B and Webster Hall, New York City and RCA's "Nashville Sound" Studio, Nashville, Tennessee
Recording Engineers: Bob Simpson and Al Pachucki.


***

Tracklist:

01. Happiness Comes, Happiness Goes (Words and Music by Al Stillman and Dick Manning)
02. Nobody But You (Words and Music by Dion O'Brien)
03. Seattle ( from the Screen Gems TV production "Here Come the Brides" ) (Music by Hugo Montenegro and words by Ernie Sheldon and Jack Keller)
04. Turnaround recorded during sessions for "Look To Your Heart" (Words and Music by Alan Green, Harry Belafonte and Malvina Reynolds)
05. Beady Eyed Buzzard (Words and Music by Eddie Snyder and Richard Ahlert)
06. Hearts Will Be Hearts (Words and Music by Cindy Walker)
07. That's All This Old World Needs (Words and Music by Bob Tubert and Demetriss ( Tubert ) Tapp)
08. Together Foreverrecorded during sessions for "Look To Your Heart" (Music by Harvey Schmidt and lyrics by Tom Jones)
09. Sunshine Wine (Words and Music by Cindy Walker)
10. Deep In Your Heart (Words and Music by Jan Crutchfield)
11. Buongiorno Teresa (Words and Music by Dick Manning and Jimmy Lytell)


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