sábado, 27 de febrero de 2010

Fleetwood Mac - Live (1980)




Otro Post de Luca II, para felicidad de Charly que es fan de los Fleetwood Mac.
La palabra a Luca II.

Sigue la Fleetwood Mac-manía en el blog, con el primer álbum live de la agrupación de "Rumours" (costituida por Mick Fleetwood, John Mc Vie, Christine Mc Vie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks). Publicado en 1980 el doble cd documenta el "Tusk Tour", emprendido por el grupo en octubre de 1979, contextualmente a ka salida del álbum que llevaba el mismo nombre, y finalizó casi un año después con dos conciertos sold-out en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, el 31 de agosto y el primero de septiembre de 1980.
La gira mundial tocó cuatro continentes y vio los Mac actuar en más de cien presentaciones. La selección de este álbum incluye actuaciones grabadas en los conciertos en Londres, París, Tokio y Cleveland, pero también deja espaciodimensión más "íntima", representada por las tres canciones inéditas: "Fireflies" de Stevie Nicks, "One More Night" de Christine Mc Vie y "The Farmer's Daughter", escrita especialmente para el grupo por Brian Wilson, han sido inmortalizadas, de hecho, en el Auditorio de Santa Mónica durante una actuación exclusiva para amigos y colaboradores.
Si bien las dos primeras canciones no aportan mucho a la contribución de la composición de las dos "damas" del grupo, la tercera es un sabroso entretenimiento, donde, por una vez, baja el volumen de los instrumentos para dar evidencia a las voces de los tres cantantes que armonizan d manera impecable sobre una delicada melodía en perfecto estilo Beach Boys.
Están casi todas las canciones más representativas de los últimos cinco años, pero hay también una oportunidad para mirar hacia el pasado remoto con una bien lograda versión de "Oh Well", de Peter Green. "Dreams" y "Don't Stop" fueron grabadas durante una prueba de sonido el 14 de junio 1980, antes de la presentación de la banda en el Palacio de los Deportes de París.

Luca II


Testo in italiano nei "Comentarios"


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viernes, 26 de febrero de 2010

Bruno Lauzi - Poesia Fatta Musica P.&C. (2010)






Esta estupenda compilación de nuestro "Cómplice" Luca II la tuve guardada en la gaveta por más de diez día (con el consentimiento de Luca) porque quería esperar el regreso de Charly antes de seguir con los posteos. Así que, dedicando a Charly este álbum, dejo la palabra a Luca II:


Me alegra mucho poder presentar este post dedicado a un representante de la "escuela genovesa" de cantautores, tal vez el menos reconocido por los críticos y ciertamente el más desatendido por la compañía de discos, que nunca tuvo en cuenta una reedición "seria" de su producción original en Lp, resultando ser especialmente tacaños con un artista que, por el contrario, siempre ha estado entre los más generosos con el público y con quien hacía parte de su entorno.

Bruno Lauzi ha escrito y traducido canciones memorables para las mejores cantantes italianas, pero también ha sido capaz de dejar de lado su faceta de compositor para hacerse intérprete de temas escrito por otros. Y con su voz se lo podía permitir, si se toma en cuenta que raramente esas canciones resultaban más convincentes cuando eran interpretadas por sus respectivos autores. No había nada que hacer, la mejor versión era casi siempre la de Lauzi.
Pero la humildad, el no tomarse demasiado en serio, el no querer hacer alarde a toda costa de sus opiniones sobre lo que poco que ver con la música, así como el poner su arte al servicio de los colegas, independientemente de su casa discográfica, son cualidades que no siempre pagan. Al contrario!
Otro punto en su contra era la falta de una canción de éxito que también representara una verdadera ruptura con la tradición. Hecho que podría haberse dado con "Il Poeta", si sólo hubiese tenido mayor reacción cuando salió en 1963 o cuando fue retomada, en los siguientes años, primero por Gino Paoli y después por Mina. Pero los elogios para este temas llegaron demasiado tarde para que Lauzi pudiera tener su lugar en el círculo de los "grandes" de la música pop italiana. Lugar que, más allá de las opiniones corrientes, le corresponde por derecho.
Y es la historia - contada a ritmo de vals - de aquel suicidio por amor madurado entre las salidas con los amigos del bar, bailongos de provincia y grandes juegos de naipes, que abre la compilación que hoy, gracias a Paola y Charlie (que han creado la gráfica completa), tengo la oportunidad de proponer a todos los lectores del blog.

La selección incluye canciones de los tres períodos má significativos de la discografía de Lauzi: el de los primeros años, primero con la CGD y luego con el pequeño sello Galleria del Corso (creada por Ferruccio Ricordi, alias Teddy Reno), aquel de los primeros éxitos bajo la Ariston (que publicó "Ritornerai", un "evergreen" en su repertorio) y aquel período que lo vio bajo contrato con la etiqueta co-fundada por Lucio Battisti, la Numero Uno.
El entonces director artístico, y otro socio fundador de la etiqueta, Sandro Colombini, tuvo la idea de hacer cantar a Lauzi temas los escritos por Battisti. Y Battisti, que compartía con Colombini la estimación para con el el Lauzi intérprete, se los cedía con mucho gusto, mostrando un gran aprecio por cómo el los hacía proprios sin traicionar las intenciones originales. Mi preferencia personal entre las piezas "battistianas" en esta colección, va para "L'Aquila", también por el bellísimo arreglo de Claudio Fabi, que ve al mismo Battisti en la percusión. (n.d.t.: estoy completamente de acuerdo!)

En el largo y prolífico período con la Numero Uno, encintramos casi todos los Lauzi posibles: aquel "liviano" ("Sotto il carbone", escrita por Oscar Prudente), aquel vagamente" prog "("Molecole", tomado del álbum debut del supergrupo "Il Volo"), el Lauzi folk ("Io canterò politico"), el que rinde homenaje, con un álbum completo, al songbook de un Paul Simon ya en olor de la leyenda ("Duncan", "Piccolino", "Se una donna non va").
Y el Lauzi que, con el álbum "Genova per noi", retoma el género "cabaret" de los exordios, caracterizado por divertidos temas en dialecto genovés a ritmo de brasiliano, compuestos con la ayuda de los amigos y paisanos Giorgio Calabrese, Gian Franco Reverberi y Franco Franchi. Interpretando el tema que da el título al disco, Lauzi también contribuye al lanzamiento de un cantautor todavía desconocido para el gran público: Paolo Conte. Este último había incluido la canción en su segundo álbum, sin obtener ningún éxito. Lauzi lo convertiría en un clásico del repertorio de ambos.

Cerramos con dos temas relacionados con los albores de la carrera del cantante: una es "Garibaldi Blues", un himno ingenioso al héroe de los dos mundos - cantado sobre la melodía de la famosa "Fever" de Peggy Lee - que Lauzi solía ejecutar en el escenario con el su grupo "Miguel e i Caravana"; otra es "A bertoela", una bossanova en genovés que apareció como lado B de su primer sencillo, grabado bajo el nombre del mismo grupo. La versión que nos encontramos aquí es tomada de "Genova per noi".

Luca II

***

Testo in italiano di Luca II:

Sono molto contento di poter presentare questo post dedicato a un rappresentante della "scuola genovese" dei cantautori, forse il meno osannato dalla critica e sicuramente il più trascurato dalla discografia, che non ha mai preso in considerazione un recupero "serio" della sua produzione originale a trentatre giri. Dimostrandosi particolarmente avara con un artista che, al contrario, è sempre stato tra i più generosi con il pubblico e con chi faceva parte del suo ambiente. Bruno Lauzi ha scritto e tradotto canzoni memorabili per le migliori cantanti italiane, ma ha anche saputo mettere da parte la sua vena di compositore per farsi interprete di motivi scritti da altri. E con la sua voce poteva permetterselo, se si considera che difficilmente quelle canzoni risultavano più convincenti quando erano riprese dai rispettivi autori. Non c'era niente da fare, la versione migliore rimaneva quasi sempre quella di Lauzi. Ma l'umiltà, il non prendersi troppo sul serio, il non voler sbandierare a tutti i costi le proprie opinioni su ciò che, con la musica, ha poco a che fare, così come il mettere la propria arte al servizio dei colleghi, indipendentemente dalla loro appartenenza discografica, sono qualità che non sempre pagano. Anzi. Un altro punto a suo sfavore è stata la mancanza di una canzone di successo che rappresentasse anche una vera e propria rottura con la tradizione. Cosa che si sarebbe potuta verificare con "Il poeta", se solo avesse avuto maggiori riscontri quando uscì nel 1963 o quando fu ripresa, negli anni successivi, prima da Gino Paoli e poi da Mina. Ma i riconoscimenti per quel pezzo arrivarono troppo tardi perchè Lauzi potesse essere accolto nella cerchia dei "grandissimi" della musica leggera italiana. Posto che, al di là delle opinioni correnti, gli spetta di diritto.
Ed è proprio la storia - raccontata a ritmo di valzer - di quel suicidio per amore maturato tra uscite al bar con gli amici, balere di provincia e grandi partite a scopone, ad aprire la raccolta che oggi, grazie a Paola e Charly (che ne hanno curato l'intera grafica), ho l'occasione di proporre a tutti i lettori del blog.
La selezione comprende canzoni di tutti e tre i periodi più significativi della discografia di Lauzi: quello degli esordi, prima con la CGD e poi con la piccola etichetta Galleria del Corso (creata da Ferruccio Ricordi, alias Teddy Reno), quello dei primi successi curato dalla Ariston (che pubblicò "Ritornerai", un "evergreen" del suo repertorio) e quello che lo vide sotto contratto con la casa discografica co-fondata da Lucio Battisti, la Numero Uno.
L'allora direttore artistico, e altro socio fondatore dell'etichetta, Sandro Colombini, ebbe l'idea di far cantare a Lauzi i pezzi scritti da Battisti. E Battisti, che condivideva con Colombini la stima nei confronti del Lauzi interprete, glieli dava molto volentieri, mostrando grande apprezzamento per come lui li faceva propri senza tradirne le originarie intenzioni. La mia personale preferenza, tra i pezzi "battistiani" di questa raccolta, va a "L'Aquila", anche per il bellissimo arrangiamento curato da Claudio Fabi, che vede intervenire lo stesso Battisti alle percussioni.
Nel lungo e prolifico periodo targato Numero Uno, troviamo un po' tutti i Lauzi possibili: quello "easy" ("Sotto il carbone", scritta dal bravo Oscar Prudente), quello vagamente "prog" ("Molecole", ripresa dall'album d'esordio del supergruppo "Il Volo"), quello folk ("Io canterò politico"), quello che rende omaggio, con un intero album, al songbook di un Paul Simon già in odore di leggenda ("Duncan", "Piccolino", "Se una donna non va"). E il Lauzi che, con l'album "Genova per noi", ripercorre il genere "cabarettistico" degli esordi, caratterizzato da divertenti pezzi in dialetto genovese su ritmica brasiliana, composti con l'aiuto degli amici e conterranei Giorgio Calabrese, Gian Franco Reverberi e Franco Franchi. Interpretando il brano che dà il titolo al disco, Lauzi contribuisce, inoltre, al lancio di un cantautore ancora sconosciuto al grande pubblico: Paolo Conte. Quest'ultimo aveva incluso il pezzo nel suo secondo album, senza ricavarne alcun successo. Lauzi lo avrebbe trasformato in un classico del repertorio di entrambi.
Chiudiamo con due canzoni legate agli albori della carriera del cantautore: una è "Garibaldi blues", uno spiritoso inno all'eroe dei due mondi - cantato sulle note della celebre "Fever" di Peggy Lee - che Lauzi era solito eseguire in teatro con il suo gruppo "Miguel e i Caravana"; un'altra è "A bertoela", una bossanova in genovese che comparve sul retro del suo primo quarantacinque giri, inciso a nome del gruppo stesso. La versione che troviamo qui è quella tratta da "Genova per noi".

Luca II



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domingo, 14 de febrero de 2010

Peter Gabriel - Scratch My Back (2010)






Este álbum debería ser un posteo de Charly, pero visto que él está momentaneamente ausente, lo hago yo. Pero no esperen de mi parte comentario sobre este último y largamente esperado (bien 7 años) trabajo de Peter Gabriel, totalmente acústico.
Cuando mi querido "tano" regrese escribirá él mismo su post!


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Jula De Palma - Sono Timida P.&C. (2010)






Un regalo de San Valentín llegado desde Italia, de parte de los “Cómplices” Christian y Kurtiggiu. Se trata de un resumen de los cuatro fabulosos álbumes posteados por el Vampiro y con una gráfica especial para nosotros de Kurtigghiu.

Pionera en el panorama artístico italiano, Jula De Palma, cuyo nombre completo es Yolanda De Palma (Milán, 21 de abril de 1932) ha sido una de las mejores cantantes italiana de jazz, sin descuidar la música ligera.

Descubierta por el maestro Lelio Luttazzi, debutó en la radio en 1950 con un repertorio y un estilo muy innovador con respecto a las normas italianas de la época: a la melodía y los fraseos de los cantantes tradicionales, Jula contrapone su vocalización moderna, y su sentido del swing, interpretando con gusto y elegancia los standards americanos.
En la primera parte de su carrera interpreta a muchas canciones en francés, un idioma que domina a la perfección como el inglés, obteniendo un buen éxito incluso más allá de los Alpes. Además de cantar con la famosa "Orchestra d'archi ritmica" de Luttazzi, Jula de Palma es la cantante principal del grupo de Carlos Loffredo y de la orquesta de Gorni Kramer, los protagonistas de muchos programas.

Participa en numerosas ediciones del Festival de Sanremo entre 1955 y 1961 y y graba muchísimas canciones, incluyendo composiciones de los mismos Luttazzi y Kramer (Quando una ragazza a New Orleans, Souvenir d'Italie, Mia vecchia Broadway, Simpatica, Non so dir ti voglio bene), canciones de películas (Que sera sera, A woman in love, Estate violenta), temas franceses (Domino, Majorlaine, Paris canaille), estadounidenses (Mister Paganini, All the way, That old black magic) , napolitanos (Anema e core, Vieneme 'nzuonno).

En los últimos años cincuenta grabó dos EPs de jazz en inglés, "Jula in Jazz" e "Jula in Jazz 2", acompañada y dirigida por los mejores músicos italianos de la época. Desde la segunda mitad de los años sesenta, en parte por la llegada de otras tendencias musicales, y en parte por sus compromisos familiares, sus actuaciones se hacen menos frecuentes, hasta que decide retirarse en 1972.


***

Tracklist

01. Sono Timida (Chiocchio-Pogliotti) (11-1959)
02. Vecchio Pino Di Villa Borghese (Lanzi) (1956)
03. 'Nu Quarto 'e Luna (Manlio-Oliviero) (1956)
04. Guaglione (Fanciulli-Nisa) (1955)
05. Anema E Core (Titomanlio-D'esposito) (10-1958)
06. Tua (Malgoni-Pallesi) (1-1959)
07. Illudimi Ancora (Borghini-Pallesi) (11-1959)
08. A.A.A. Adorabile Cercasi (Brighetti-Pallavicini-Martino)(Sanremo 1961)
09. Come Prima (Taccani-Di Paola-Panzeri) (1958)
10. Marjolaine (Revil-Lamarque-Pinchi) (1958)
11. Que Serà Serà (Evans-Livingstone-Elgos-Pinchi) (10-1956)
12. Magic Moments (Bacharach-David) (3-1958)
13. Sì..Amor (All The Way) (Van Heusen-Testoni-Abbate) (1958)
14. Nessuno (Capotosti-De Simone) (1-1959)
15. Non So Dir Ti Voglio Bene (Garinei-Giovannini-Kramer) (9-1957)
16. Che M'e 'mparato A Fa (Trovajoli-Verde-Faccenna) (1956)
17. Perchè Tu Non Vuoi (A Woman In Love) (Loesser-Panzeri) (1956)
18. Domenica E' Sempre Domenica (Garinei-Giovannini-Kramer) (5-1959)



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sábado, 13 de febrero de 2010

Bernie Taupin - He Who Rides The Tiger (1980)






Este fue el primer LP de Bernie después de su separación de Elton John a finales de los años 70. Se asoció con el ex guitarrista de los Buckinghams, Dennis Tufano, para escribir y cantar 9 originales, junto con Richie Zito en la guitarra eléctrica, Kenny Passarelli en el bajo, Joey Carbone al teclado y Carlos Vega en la batería. Entre los músicos invitados están: Jay Graydon, Steve Lukather, David Hungate, David Foster, Jai Winding, Jeff Porcaro, Tommy Funderburk, Bill Champlin, Tom Scott ... y la lista sigue. También Elton aparece en el bacup de "Love (The Barren Desert)".

El letrista detrás de muchos de los éxitos de música pop más memorables de Elton John, Bernie Taupin nació el 22 de mayo 1950, en las zonas rurales Lincolnshire, Inglaterra. El producto de una familia de agricultores, su influencia musical principal fue "Gunfighter Ballads" de Marty Robbins, que marca el comienzo de una fascinación de toda la vida con el oeste americano que surgió como un tema recurrente en toda su obra como compositor.

Taupin dejó la escuela a los 16 para aceptar un trabajo en un periódico local, seguido por una temporada en una granja de pollos; a los 17 años, respondió a un anuncio de Liberty Records que buscaba de nuevos talentos y, aunque la etiqueta no lo aceptó,Ray Williams, ejecutivo de A&R, sugirió que hiciera equipo con el aspirante a cantante y compositor Reg Dwight, quien meses más tarde adoptó el nombre de Elton John.

Aunque el dúo de pronto comenzó a escribir para Dick James Music, originalmente colaboraron exclusivamente por correo y no se encuentraron cara a cara hasta casi medio año después de su asociación; los primeros esfuerzos fueron grabados por cantantes de pop, incluidos Lulu, Roger Cook, y Brian Keith...
El resto ya es historia!

Cómplice en el viaje: Cristian


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Tracklist:

01. Monkey on My Back (The Last Run)
02. Born on the Fourth of July
03. Venezuela
04. Approaching Armageddon
05. Lover's Cross
06. Blitz Babies
07. Valley Nights
08. Love (The Barren Desert)
09. The Whores of Paris


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viernes, 12 de febrero de 2010

Tina Turner – Private Dancer (EMI Centenary Edition 1984-2010)







Tina Turner nació el 26 de noviembre de 1939 en Brownsville, Tenessee, bajo el nombre de Anna Mae Bullock. Su padre diácono en una Iglesia Bautista, fue allí donde empezó a cantar en el coro gospel.

En 1954, tras el divorcio de sus padres, ella y su hermana se mudaron con su padre a St. Louis. Fue allí donde se encontró con Ike Turner quien estaba viajando por el sur de Estados Unidos presentando un espectáculo de Rythm and Blues. A los 18 años fue a buscar trabajo como cantante. En su primera entrevista con Ike Turner, líder de los Reyes del Ritmo, le pidió que por favor la dejara cantar con ellos. La respuesta fue no. Sin embargo, insistió y logró que Turner le diera una oportunidad.

El trabajo entre Tina y Ike se volvió cada vez más cercano, al punto que se convirtió en matrimonio cuando se casaron en Tijuana en 1962. Durante los años 60 “Ike & Tina Turner” se convirtió en un número exitoso en el estudio como en presentaciones en vivo, al punto que ocasionalmente abrieron para los Rolling Stones. El éxito definitivo vino en 1971 cuando regrabaron el sencillo “Proud Mary” de Creedence Clearwater Revival.

La que debió ser la puerta para un futuro mejor, rápidamente se convirtió en la puerta del infierno. Un Ike cargado de violencia, frustración e irracionalidad empezó a agredir cada vez con más fuerza a una Tina que se sumergía en el miedo y el dolor. Finalmente, en 1974, después de varios intentos Tina Turner logró escapar de el círculo de violencia de Ike y pudo empezar su carrera en solitario. Saliendo prácticamente de la nada, logró el papel de la Reina Ácida en la ópera rock de The Who “Tommy”.

Firmó entonces con United Artists con quienes publicó varios álbumes cuyas ventas se desvanecieron al mismo ritmo de su popularidad. La presión sobre ella era grande porque tuvo que asumir muchas deudas, vivió de la ayuda social. Sin embargo, a pesar del revés de la vida supo aprovechar el último recurso que le quedaba: su nombre. Eso le ayudó a entrar en Las Vegas y a conocer a Roger Davies, un representante australiano que ayudó a reformar su perfil musical.

En 1984 lanzó “Private Dancer” cuyo sencillo “What’s Love Got To Do With It” provocó ventas por más de 11 millones de copias en todo el mundo y se quedó tres semanas en el primer lugar. De ese mismo álbum se extrajeron “Better Be Good to Me” y “Private Dancer” que también estuvieron entre las diez más populares en Estados Unidos. El disco le valió tres premios Grammy.

Como parte de las celebraciones por el Centenario del sello EMI, varios álbumes clásicos serán reeditados este año con varios bonus tracks. El primero de la serie ha sido éste disco de Tina Turner, con siete bonus tracks, incluyendo cuatro B-sides y tres remixes.


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jueves, 11 de febrero de 2010

Ivo Meirelles & Funk’n Lata – O Coro Tá Comendo (1999)





Ivo Meirelles es el hijo del fallecido compositor brasileño Ivan Meirelles, antiguo director de una de las mas famosas comparsas del Carnaval de Brasil: Mangueira. Su madre, la cantora Nanana de Mangueira, fue una gran pasista de la Scola do Samba en los años sesenta y su hermana Waninha siguió sus pasos.

Además de su pasión por el samba, Ivo se interesó por otros caminos, pasando a tener mas influencia del funk, el funk carioca y el pop. Después de haber sido él mismo director de Mangueira, se juntó con el músico Lobâo y fundó el grupo Funk’n Lata, que mezcla básicamente el funk y la batucada, resquicios de su vida en la Scola do Samba Mangueira. Funk’n Lata utiliza elementos de la música negra, el funk carioca, rap, hip hop y batucada, generando un resultado totalmente original.



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Françoise Hardy - En Anglais P.&C. (1966-2000)





Seguimos con nuestras compilaciones de Françoise Hardy en otros idiomas; esta vez es en inglés.
El álbum se compone de canciones extraidas de "If You Listen" de 1971, "This Is Françoise Hardy" de 1966, "Alone" de 1970, "En Resume" de 2000 y la última pista es "To the End" (La Comedie), un dueto con Bur.

"Alone" fue editado originariamente en South Africa, por World Record (ORR 6057), en 1969, con el título de "Francois Hardy". posteriormente, en 1970, el mismo álbum apareció en Inglaterra, Australia y Nueva Zelandia con otra tapa y con diferente título: "One-Nine-Seven-Zero"; y finalmente como "Alone", en Canada y en Estados Unidos.

Gráfica exclusiva de P.&C.


***

Tracklist:

01. If You Listen
02. Just Call And I'll Be There
03. Ocean
04. The Garden Of Jane Delawnay
05. Another Place
06. Autumn Rendezvous
07. The Rose
08. Can't Get The One I Want
09. I Think It's Gonna Rain Today
10. Take My Hand For A While
11. Bown Bown Bown
12. Till The Morning Comes
13. Only You Can Do It
14. It's My Heart
15. Sometimes
16. Let My Name Be Sorrow
17. In The Sky
18. Until It's Time For You To Go
19. Revenge Of The Flowers
20. Song Of Winter
21. Suzanne
22. To The End (with Blur)


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martes, 9 de febrero de 2010

Stevie Nicks - Enchanted: The Works Of Stevie Nicks (1998)





Nuestro "Cómplice" Luca II se presenta con este fantástico box set de tres Cd.

Stevie Nicks es una cantante y compositora americana que se hizo famosa mundialmente como integrante de los "Fleetwood Mac". Stevie entra en el grupo a comienzo de 1974 gracias a su compañero artístico (y en aquella época también de vida) Lindsey Buckingham. Cuando Mick Fleetwood, el baterista del grupo, propone a Lindsey de tomar el lugar del guitarrista Bob Welch, él acepta pero con la condición de que también su novia (con la que ha grabado con poco éxito el álbum "Buckingham Nicks", aquí representado con "Long distance winner") entre en el grupo.
Con este cambio de formación, la ex blues band fundada por Peter green se convierte definitivamente al soft rock y conquista el gran público vendiendo miliones de copias del álbum homónimo grabado en 1975 (llamado por los fans "White album" por el color de la carátula) y sobretodo del siguiente "Rumors", de 1977, álbum record en ventas de la era pre-Michael Jackson.
Para estos álbumes Stevie compone e interpreta algunos temas que se convertirán en clásicos del grupo, como "Rhiannon", la balada "Landslide", "Dreams" (hasta hoy el único sencillo de los Fleetwood Mac que ha alcanzado la máxima posición en la clasificación estadounidense) y la psiquedélica "Gold Dust Woman".

En 1981 Stevie estrena su carrera como solista con "Belladonna", álbum que alcanza la cima de la clasificación en América y le hace poner nada menos que cuatro sencillos en la Hot 100. Entre esos "Stop draggin’ my heart around", dueto con Tom Petty que él mismo escribe y produce.
Obtiene gran éxito también "Edge of seventeen", una de sus canciones más famosas, caracterizada por un inconfundible riff de guitarra que, años después, tomarían prestado las Destiny's Child en su sencillo "Bootylicious".
Muchas canciones compuestas para el álbum (producido por Jimmy Iovine, ya colaborador de roqueros como Tom Petty, Bruce Springsteen y Patti Smith) no encontraron espacio en la tracklist definitiva de "Belladonna" y han sido posteriormente usadas en otros proyectos. Tres de estas están incluidas en esta compilación.

El éxito de "Belladonna" es confirmado por el siguiente "The Wild Heart". El álbum incluye "Stand back", un hit escrito a cuatro manos con Prince (pero él no aparece en los créditos), y el tema que da el título al box set que aquí presentamos.
"Rock a little" marca la separación de Jimmy Iovine, y la contratación de nuevos productores (entre los cuales Rick Nowels, que continuará colaborando con ella en los años a venir), pero los resultados no convencen plenamente al público, aunque el rock bailable de "I can’t wait" obtendrá buen lugar en la clasificación de sencillos.
"The other side of the mirror" del 1989 otiene más resonancia a fuera de los Estados Unidos, sobre la estela del gran éxito internacional del álbum grabado con los Mac en 1987, "Tango in the night".

Aún no separándose casi nunca de su formación originaria, Stevie Nicks ha encontrado el tiempo de realizar numerosas giras como solista y de colaborar, en estudio y en vivo, con un buen número de otros artistas. Además de Tom Petty, podemos nombrar Don Henley (que aquí hace duo con ella en "Leather and lace"), Kenny Loggins ("Whenever I call you friend") y Sheryl Crow.
Esta última ha largamente contribuido, como músico y autor, al último álbum de inéditos de la Nocks, "Trouble in Shangri-la" de 2001.

Terminada otra gira con los Fleetwood Mac, que la ha comprometido por gran parte de 2009, Stevie podría volver a grabar un nuevo álbum con el grupo, siete años después del bellísimo "Say you will", presentado hacer pocos días AQUÍ.
Con la esperanza de poder volverla a escuchar pronto, sola o con los Mac, disfrutemos esta vasta retrospectiva de 1998, llena hasta el tope de rarezas, demos, b-side y versiones alternativas.

Luca II

Testo in italiano nei "Comentarios" de la NUEVA CASA


***

Cd 1

01. Enchanted (From The Wild Heart)
02. Outside the Rain (From Bella Donna)
03. After the Glitter Fades (From Bella Donna)
04. Wild Heart (From The Wild Heart)
05. Leather and Lace [With Don Henley] (Long Version) (From Bella Donna)
06. Garbo (B-Side to Stand Back single)
07. Stand Back (From The Wild Heart)
08. Nightbird (From The Wild Heart)
09. Stop Draggin' My Heart Around [With Tom Petty] (From Bella Donna)
10. Beauty and the Beast (From The Wild Heart)
11. Kind of Woman (From Bella Donna)
12. If Anyone Falls (From The Wild Heart)
13. One More Big Time Rock and Roll Star (B-Side to Talk To Me single)
14. Blue Denim (Remix) (From Street Angel)
15. Bella Donna (From Bella Donna)



Cd 2

01. Edge of Seventeen (Previously unreleased live version from The Bella Donna Tour) (Original version from Bella Donna)
02. Street Angel (Remix) (From Street Angel)
03. Rock a Little (Go Ahead Lily) (From Rock A Little)
04. I Sing for the Things (From Rock A Little)
05. Rooms On Fire (From The Other Side of the Mirror)
06. I Can't Wait [Extended Rock Mix] (Original version from Rock A Little)
07. Two Kinds of Love [With Bruce Hornsby] (From The Other Side of the Mirror)
08. The Highwayman (From Bella Donna)
09. Rose Garden (From Street Angel)
10. Talk to Me (From Rock A Little)
11. Destiny (Alternate Version) (From Street Angel)
12. Ooh My Love (From The Other Side of the Mirror)
13. Desert Angel (From Timespace: The Best Of Stevie Nicks
14. Whole Lotta Trouble (From The Other Side of the Mirror)
15. Has Anyone Ever Written Anything for You (From Rock A Little)



Cd 3

01. Twisted [Demo] (Re-recorded studio version as a duet with Lindsey Buckingham can be found on the Twister soundtrack album)
02. Long Distance Winner (From the Buckingham Nicks album)
03. Thousand Days (B-Side to the Blue Denim single; Originally intended for the Rock a Little album in 1985
04. Battle of the Dragon (Originally intended for the Rock a Little album in 1985 but given to the American Anthem soundtrack)
05. Gold [With John Stewart] (From the John Stewart album Bombs Away Dream Babies)
06. Free Fallin' [Tom Petty] [remake] (From the Music From Party Of Five album)
07. It's Late [Demo]
08. Violet and Blue (Originally intended for the Rock a Little album in 1985 but given to the Against All Odds soundtrack)
09. Whenever I Call You Friend [With Kenny Loggins] (From the Kenny Loggins album Nightwatch)
10. Sweet Girl [Demo] (Live version available on the Fleetwood Mac album The Dance)
11. Blue Lamp (Outtake from the 'Bella Donna sessions) (From the Heavy Metal soundtrack)
12. Gold and Braid (Previously unreleased live track, recorded during The Bella Donna Tour)
13. Reconsider Me (Outtake from the Rock A Little sessions)
14. Somebody Stand by Me (From the Boys on the Side soundtrack)
15. Sleeping Angel (Outtake from the 'Bella Donna sessions) (From the Fast Times At Ridgemont High soundtrack)
16. Rhiannon [Piano Version]


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Milva - Canzoni Di Edith Piaf (1970)






Su primera grabación discográfica en 1960 fue propiamente "Milord", tema de Edith Piaf, de extraordinaria intensidad y sugestión; es el comienzo de una larga y luminosa carrera artística.
Mujer de espectáculo versatil y ecléctica, es una de las pocas cantantes italianas capaz de manifestarse en la música como en la comedia y el teatro.
Por decisión propia siempre se ha inclinado por la música de "autor", razón por la cual no ha sido una artista "comercial", pero justamente por la calidad de su repertorio la discográfica Ricordi siempre le ha permitido experimentar, porque tener Milva realzaba la imágen de la casa.

En este álbum "Canzoni di Edith Piaf" Milva re-descubre la Piaf que interpretó, quizás con algunos defectos, en sus inicios, y la re-interpreta fuerte ya de sus esperienzas "brechtianas", y con años de teatro a las espaldas.
Un estupendo disco, todo para escuchar!

Cómplice en el viaje: Christian


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Tracklist:

01. Milord (Testoni-Monnot-Moustaki)
02. La Vita È Rosa (La Vie En Rose) (Piaf-Louiguj)
03. La Folla (La Foule) (Cabral-Dizeo-Larici)
04. Sono Io La Tua Donna (Les Trois Cloches) (Villard-Albula-Beretta)
05. Mon Dieu (G.Calabrese-Vaucaire-Dumont)
06. Nulla Rimpiangerò (Non, Je Ne Regrette Rien) (Notorius-Vaucaire-Dumont)
07. E' L'amore Che Fa Amare (C'est L'amour Qui Fait Q'on S'aime) (Vinci-Piaf-Monnot)
08. Caro John (Johnny Tu Nìest Pas Un Ange) (Astromari-Les-Lamarque)
09. Albergo A Ore (Les Amants D'un Jour) (H-Pagani-Monnot- Delacluse)
10. Inno All'amore (Hymne A L'amour) (Colombi-Piaf-Monnot)



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domingo, 7 de febrero de 2010

Françoise Hardy - En Italien P.&C. (1963-1970)






Hoy tenemos una extensa compilación de Françoise Hardy, con gráfica exclusiva de P.&C., de sus éxitos en italiano.

Françoise Hardy irrumpe en la escena musical francesa en 1962, y ya en 1963 es todo un éxito en Italia, presentando sus canciones sea en francés que traducidas al italiano, empezando por "Quelli Della Mia Eta" (Tous Les Garcons Et Les Filles), "L'amore Va" (L'amour S'en Va), y muchas más.

En 1966 participa al Festival de Sanremo con "Parlami di te" en pareja con Edoardo Vianello (festival que fue ganado por Domenico Modugno y Gigliola Cinquetti con la canción "Dio come ti amo") sin gran éxito, quedaron en el último lugar de las 14 finalistas.

***

Delicada intérprete de suave voz y dotada compositora de inclinación sentimental, sofisticada y melancólica, Françoise Hardy es la gran diva en la historia del pop francés.

Nacida en París el 17 de enero de 1944, Françoise Madeleine Hardy vivió una niñez solitaria marcada por su extrema timidez y una estricta educación en un internado religioso de La Bruyère.

Una salida para su monotonía vital era la música en la radio, escuchando con devoción a los grandes nombres de la chanson francesa. Poco a poco fue agrandando sus influencias, que residían principalmente en la canción pop tradicional gala, el music-hall, el rock’n’roll, el jazz, el surf y el folk.

Cuando en su adolescencia le regalaron su primera guitarra todo cambió para Françoise. Expresaría su estado emocional mediante la música, pero para ello tendría que recibir una instrucción previa en canto. Nada mejor que acudir al Petit Conservatoire de Mireille Hartuch.
A sus padres no les desagradaba que Françoise quisiese pasar parte de su tiempo libre componiendo y cantando siempre que no descuidara sus estudios. Así, Hardy, una aplicada estudiante, decidió estudiar en la Sorbona Ciencias Políticas, carrera que abandonó para comenzar Literatura.

Con su guitarra acústica, la joven y tímida Françoise Hardy principió a actuar a comienzos de la década de los 60 por diversos clubes parisinos, interpretando sus tristes y nostálgicas historias. En 1962 consiguió grabar en Vogue Records su primer single, “Tous les garçons et les filles”, una canción escrita por Françoise y Roger Samyn que se convirtió en un enorme éxito europeo, especialmente en su país natal, en donde de la noche a la mañana Hardy, que en ese momento solamente tenía 18 años, se convirtió en una gran estrella de la canción yé yé francesa (junto a otras intérpretes de menor talento como Sylvie Vartan, Sheila o France Gall) y un icono estético para muchas féminas del momento.

La personalidad de Hardy, todavía muy medrosa y retraída, cambió de manera rotunda cuando coincidió al fotográfo Jean-Marie Périer. Périer conoció a Françoise cuando esta fue fotografiada para la revista “Salut le Copains”. Ambos comenzaron una intensa relación amorosa que conllevaría también una transformación estética. Périer la modeló a su gusto, Hardy ganó en seguridad personal y su rostro se hizo famoso en todo el mundo.

En 1962 aparece su primer Lp, “Tout le garçons et les filles” (1962), un álbum estupendo y todo un clásico dentro de la chanson francesa que contiene su famoso sencillo y piezas como “Ton Meilleur Ami”, “Oh Oh Chéri” o “Le temps de L’amour”, elegantes melodías, tristeza y gran producción y arreglos, características encontradas en sus discos “Le premier bonheur du jour” (1963), “Mon amie la rose” (1964), “L’amitié” (1965) o “La maison ou j’ai grandi” (1966).

Su atractivo físico llamó la atención del director cinematográfico Roger Vadim, siempre atento a las bellezas de la época, con quien debutó como actriz en “Château en Suède” (1963), film co-protagonizado por Monica Vitti.
También asistió al Festival de Eurovisión en representación de Mónaco, interpretando “L’amour s’en va”. No consiguió el primer puesto, teniendo que conformarse con la quinta posición. Los ganadores serían los daneses Grethe & Jorgen Ingmann con “Dansevise”.

Hardy, a diferencia de otras cantantes francesas del período, es la principal protagonista de sus discos al componer casi todas sus interpretaciones y aportar ideas en la producción y arreglos (era una gran fan de Phil Spector) a gente tan profesional como Serge Gainsbourg, Charles Blackwell, Jean-Pierre Sabar, Arthur Greenslade, John Paul Jones o el guitarrista Mickey Baker, quienes ayudan a construir su exquisito pop, sibarita, emocional y romántico, de tono afligido.
Su talento, junto a su belleza, llamó la atención de muchos grandes nombres del momento, como Bob Dylan o Mick Jagger, y poco a poco fue abriéndose paso en el mercado anglosajón, grabando regularmente Lps en inglés, al igual que hizo en italiano o en alemán.

En 1967, año de la aparición del Lp “Ma Jeneusse fout le camp” (1967), Françoise rompió su relación con Périer y un año después daría inició a un noviazgo con el cantante Jacques Dutronc, con quien se casaría, después de una larga relación que dio en 1973 fruto a su hijo Thomas, en el año 1981.
Después de “Comment te dire adieu” (1968), uno de sus mejores discos en la década de los 60, Hardy cambiaría de sello discográfico, comenzando a grabar para Sonopresse, compañía en la cual aparecían en 1970 los discos “Germinal” y el estupendo “Soleil”, Lps de gran carga atmosférica.

En los años 70, cansada de ser un icono de modas y consumo de una masa que solamente aprecia la comercialidad, Françoise, imbuida cada vez más en la astrología, evoluciona en su imagen y en su música, grabando con la guitarrista brasileña Tuca el disco “La Question” (1971), recordado por muchos como la obra más importante de su discografía.
A este disco le siguieron “L’eclairage” (1972), “Message Personnel” (1973), un fantástico album que contó con la esencial colaboración de Michel Berger, y “Entracte” (1974), otro estimable trabajo de una artista en plena madurez como autora.

Con Gabriel Yared coincide por primera vez con el disco “Star” (1977), un álbum recibido con entusiasmo por crítica y público. Yared volverá a colaborar con Françoise en “Musique saoule” (1978), “Gin Tonic” (1980), “A Suivre” (1981) y “Quelqu'un qui s'en va” (1982), trabajos en los cuales Hardy era ayudada por otros compositores, como Michel Jonasz o Alain Goldstein.
“Décalage” (1988) fue proyectado como su último Lp y su trabajo de despedida como cantante. Éste no sería tal, ya que Françoise retornaría con “Le Danger” (1996), un álbum publicado en la Virgin. En esta época Hardy volvió a la primera línea musical, colaborando también con el grupo Blur en el tema “To the end”.

“Clair-Obscur” (2000) fue uno de sus últimos disco grandes y un trabajo notable que ponía de manifiesto que su habilidad para escribir temas pop, en muchas ocasiones asociada a Alain Lubrano, no se había perdido con el tiempo, sabiendo acomodarse a las nuevas épocas que corrían.
En el álbum colaboraría Iggy Pop, quien canta junto a Françoise el tema “I’ll been seeing you”.


***

Tracklist:

01. Quelli Della Mia Eta (Tous Les Garcons Et Les Filles) 1963
02. Ci Sto (J'suis D'accord) 1963
03. L'età Dell'amore (Le Temps De L'amour) 1963
04. Il Saluto Del Mattino (Le Premier Bonheiur Du Jour) 1963
05. Parlami Di Te (Parlez Moi De Lui) 1964
06. L'amore Va (L'amour S'en Va) 1964
07. Devi Ritornare (Je Veux Qu'il Revienne) 1965
08. Parlami Di Te 1966
09. Il Ragazzo Della Via Gluck 1966
10. Vorrei Capirti (Saurai-Je) 1967
11. Il Granchio (Le Crabe) 1967
12. Vorrei Essere Lei (J'aurais Voulu) 1967
13. Il Mare, Le Stelle, Il Vento (La Mer, Les Etoiles, Et Le Vent) 1967
14. Stivali Di Vernice Blu (Des Bottes Rouges De Russie) 1967
15. Il Tuo Migliore Amico (Ton Meilleur Ami) 1967
16. Una Ragazza Come Le Altre (Une Fille Comme Tant D'autres) 1967
17. La Notte Sulla Citta (La Nuit Est Sur La Ville) 1967
18. La Tua Mano 1967
19. La Bilancia Dell'amore (Je Ne Sais Pas Ce Que Je Veux) 1967
20. Gli Altri (Voilá) 1967
21. Il Male D'amore (A Quoi Ça Sert) 1967
22. È All'amore Che Penso (C'est A L'amour Auquel Je Pense) 1967
23. Nel Mondo Intero (Dans Le Monde Entier) 1967
24. Oh Oh Cheri 1967
25. Per Tanto Tempo (Bien Longtemps) 1967
26. Non Svegliarmi Mai 1967
27. Il Pretesto (Comment Te Dire Adieu) 1967
28. Ci Sono Cose Più Grandi 1967
29. I Sentimenti (Et Meme) 1967
30. L'ora Blu (L'heure Bleue) 1969
31. Se E Ma (Avec Des Si) 1969
32. Lungo Il Mare 1970



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Sade - Soldier Of Love (2010)




“Soldier Of Love” es el novísimo trabajo de Sade, luego de diez años sin editar un álbum de estudio. El disco comenzó a grabarse en 2008 y se concluyó en verano de 2009, y Sade vuelve a escucharse como cuando irrumpió en el panorama musical mundial hace 25 años, es decir, con un sonido tranquilo e intimista, mezcla de pop, jazz y afro.

Con más de 50 millones de álbumes vendidos y tres premios Grammy a sus espaldas, Sade está de vuelta con un álbum ecléctico, pero con su inimitable sello distintivo. Y su voz, y esa forma de cantar que son únicos.


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Sade - The Best (1994)





Helen Folasade Adu más conocida como Sade, nacida el 16 de enero de 1959 en Ibadán, Nigeria, es cantante y compositora. De madre inglesa y padre nigeriano, a los cuatro años se fue con su madre a vivir a Inglaterra, cuando ésta se separó de su padre.

Estudiaba moda en la facultad de Saint Martin, y se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo “hasta que encuentren una cantante”. Su amor por la música la llevó a cantar en un grupo funky que respondía al nombre de Arriva. Desde ese momento descubrió un extraño placer al escribir letras. Más tarde esta banda pasó a llamarse Pride y luego cambio a Sade. Y con Sade comenzo a conocerse también a su vocalista.

La banda consigue firmar un contrato en 1984, y se convirtió en el espectáculo de los clubs de la capital inglesa. En 1984 su primer sencillo “Your love is king” pasó a ser un éxito dentro de los Top Ten.

Con la edición en 1984 de su disco debut “Diamond life”, Sade se dirigía a una audiencia mundial. Este contenía sencillos de éxito como “Your love is king”, “Smooth Operator” y “Hang on to your love”, y el disco permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Después de “Diamond life” en 1985 llegó “Promise”, que también fue un éxito internacional que recibió un disco multiplatino. Tres años más tarde, volvió a reunir al grupo para grabar “Stronger than pride”, un álbum de éxito en 1988 que contenía sencillos memorables como “Paradise”, “Love is stronger than pride” y “Nothing can come between us” (ésta última, mi canción favorita). En 1992, Sade editó “Love Deluxe”, un álbum audaz que se ganó la aclamación comercial y de la crítica.

Este recopilatorio editado en 1994 supuso el cierre de un capitulo seguido por una etapa de descanso, que concretamente duró 8 años.


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Milva - Tango (1968)





Mucho antes de su encuentro con Astor Piazzolla ya Milva se había acercado al tango, grabando con la Ricordi, en 1968, un LP con los tangos más famoso en versión italiana. El álbum fue posteriormente editado en Cd.


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Milva & Astor Piazzolla - Teatro Bouffes du Nord Live (Paris 1984)





Maria Ilva Biolcati, en arte Milva nació en Goro, provincia de Ferrara en 1939.
En los años sesenta, en Italia, las cantantes eran verdaderas fieras, y no solamente por el talento y la bravura interpretativa, más también por los apodos con lo que las "bautizaban" las casas discográficas:Mina, la "Tigre de Cremona"; Milva la "Pantera de Goro" e Iva Zanicchi el "Águila de Ligonchio". Tres grandes, grandísimas artistas; de dos de ellas, Mina e Iva ya hemos hablado, así que hoy le toca el turno a Milva la Rossa (la roja", otro apodo debido al flameante color de su cabello y quizás también a sus simpatías políticas.

Artista ecléctica y versátil ha incursionado también en el teatro ha tenido grande éxito no solo en Italia, también en Francia, Japón, España, América Latina y sobretodo Alemania, su segunda patria artística, en donde es todavía muy amada.
Enorme su discografía, que abarca múltiples géneros: Canción Italiana "leggera" y tradicional, Ópera Lírica y teatro (fantástica su interpretación de Brecht, en alemán), Pop, Tango, Chanson Francés y Rock!

Ha participado 15 veces al Festival de Sanremo, sin ganar nunca. Pero gana en 1971 la "Gondola d'Oro" a la "Mostra Internazionale di Musica Leggera" de Venecia, con la canción "La Filanda" que se convertirá en su canción más vendida.


En 1983 Milva con la colaboración de Peter Brook crea el espectaculo "Tango" que presenta en el Teatro "Les Bouffes du Nord" de París. Protagonista con ella el gran bandoneista Astor Piazzolla.
Y Astor se convierte en un punto de referencia esencial para Milva, que asume la grandeza y la densidad simbólica de su tango que interpreta con originalidad y mesura.
Un año después, en 1984, se vuelven a reunir en el mismo Teatro "Les Bouffes du Nord" y se graba este disco en vivo, en el que el arte de Piazzolla aparece en toda su fuerza acompañada por la sensual y multiforme interpretación de Milva.

Milva - Vocals
Astor Piazzolla - Bandoneon
Pablo Ziegler - Piano
Oscar Lopez Ruiz - Guitar
Fernando Suarez Paz - Violin
Hector Console - Bass


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viernes, 5 de febrero de 2010

Chico Buarque de Hollanda & Ennio Morricone - Per un Pugno di Samba (1970)






En 2001 el sello Universal lanzó en Brasil un cd box titulado "Construçâo”, conteniendo casi completa la obra de Chico Buarque de 1966 a 1985. En ese momento algunos fans se preguntaron: “Y el disco con Morricone?”. Preguntaban por este álbum.

“Por un pugno di Samba” fue grabado en 1970 en Italia combinando inusitadamente a Chico Buarque con el compositor y arreglador Ennio Morricone. El trabajo fue lanzado solamente en Italia en aquel año. Nunca fue editado en Brasil hasta 2003. Mientras tanto, el disco ganó status de leyenda y se tornó una de las obsesiones de los coleccionistas de música brasileña.

Chico Buarque grabó este disco en su período de exilio en Italia (vivió en Roma 15 meses entre 1969 y 1970). Antes de registrar este disco, ya había lanzado “Chico Buarque de Hollanda na Italia”. El contacto de Buarque con Morricone fue a través del productor Sergio Bardotti, un gigante del mercado discográfico italiano de entonces. Morricone era ya en esa época uno de los mas renombrados compositores de música para cine de toda Europa

Para grabar el disco, Chico Buarque hizo una selección de las canciones que había grabado hasta entonces y le agregó tres nuevas: “Nicanor”, “Nâo fala de Maria” y “Samba de amor”. El detalle es que el disco está grabado totalmente en italiano, con las letras traducidas por Bardotti, que respetó fielmente los originales. Y los coros estuvieron a cargo de dos jóvenes italianas: Loredana Berté y Mia Martini.

Tal vez por no tener mucho éxito en su época, “Per un pugno di Samba” nunca fue editado en Brasil, más allá de problemas contracutales con distintos sellos grabadores.

En una entrevista de 1988 el propio Buarque admitía no tener una copia del álbum, con lo cual su posterior edición vino a salvar semejante carencia. Y también nos permite disfrutar de este disco legendario.


Tracklist:

01. Rotativa
(Roda viva)
02. Samba e amore
(Samba e amor)
03. Sogno di un carnevale
(Sonho de um carnaval)
04. Lei no, lei sta ballando
(Ela desatinou)
05. Il nome di Maria
(Não fala de Maria)
06. Funerale di un contadino
(Funeral de um lavrador)
07. In te
(Mulher, vou dizer quanto te amo)
08. Queste e quelle
(Umas e outras)
09. Tu sei una di noi
(Quem te viu, quem te vê)
10. Nicanor
11. In memoria di un congiurate
(Tema dos inconfidentes)
12. Ed ora dico sul serio
(Agora falando sério)


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jueves, 4 de febrero de 2010

Michael Jackson - Instrumental Version Collection (1988)





Este disco de Michael Jackson fue originalmente editado por Sony Music, y contiene las versiones instrumentales de siete de sus clásicos. Es indispensable para los fans de Jackson, y un material distinto para todos los que gustan de su música.



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miércoles, 3 de febrero de 2010

Fleetwood Mac - Say You Will (2003)




Este es, hasta el presente, el último álbum de estudio grabado por Fleetwood Mac. Tiene la particularidad de ser el primer disco de la banda que no tiene ningún tema compuesto por Christine Mc.Vie, quien abandonó la banda en 1998. De todos modos, Christine participa en el disco cantando en tres temas.

Este disco fue para Fleetwood Mac el regreso a los charts, en los que estaba ausente desde 1982. Lograron el número 3 en Estados Unidos y a la fecha llevan vendidos un millón de copias sólo en USA. Mas allá de las estadísticas es un gran disco que ha sido injustamente olvidado, y del que recomiendo los temas “Thrown down” y “Everybody finds out”.

Músicos:

Lindsey Buckingham – guitarra, percusión, teclados, voz
Stevie Nicks – teclados, voz
John McVie – bajo, guitarra
Mick Fleetwood – batería y percusión

Invitados:

Christine McVie – voz y teclados en “Bleed To Love Her”; “Steal Your Heart Away” y “Bleed to love her”
Sheryl Crow – coros en “Say You Will” y “Silver Girl”, Hammond Organ en “Say You Will” y “Silver Girl”
Jamie Muhoberac – Hammond Organ en “Come”
John Pierce – bajo en “Steal Your Heart Away”
Dave Palmer – piano en “Steal Your Heart Away”
Molly McVie – coros en “Say You Will”
Maddy Felsch – coros en “Say You Will”


Tracklist:

01. What’s the World Coming To
02. Murrow Turning Over in His Grave
03. Illume (9/11)
04. Thrown Down
05. Miranda
06. Red Rover
07. Say You Will
08. Peacekeeper
09. Come
10. Smile at You
11. Running Through the Garden
12. Silver Girl
13. Steal Your Heart Away
14. Bleed to Love Her
15. Everybody Finds Out
16. Destiny Rules
17. Say Goodbye
18. Goodbye Baby


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Fleetwood Mac - Rumours (1977)




Creada en 1967, en Londres por Peter Green (guitarra), Jeremy Spencer (guitarra), John McVie (bajo), Mick Fleetwood (batería), la banda inició su carrera interpretando blues durante un período de renacimiento que tuvo el estilo (ya hicimos un post sobre esa época AQUÍ). En 1970 Jeremy Spencer deja la banda, se incorpora Danny Kirwan (guitarra) y publican Then Play On, un álbum experimental que los aleja del blues y los acerca al rock. Será el último trabajo de Green con el grupo y será también un momento de crisis para él y el resto de la banda.

En 1970 se incorporarán Christine McVie (voz y teclados), esposa de John, y el guitarrista estadounidense Bob Welch. Publican con esta formación dos discos. Ya alejados completamente del blues, siguen la experimentación y un acercamiento a un sonido más estadounidense, más cercano al country.

Rumours es un álbum conceptual de rock, grabado por Fleetwood Mac en 1977, que fue grabado en marzo de 1976, aunque publicado casi un año después. Rumours ganó el premio Grammy en 1978 como mejor álbum del año, y se mantuvo por 31 semanas en la cartelera norteamericana Billboard. Desde su publicación y hasta el presente lleva vendidas 20 millones de copias, y es el tercer álbum con más ventas de los editados en los años 1970.

Como bonus track he agregado una versión “demo” de la canción “Dream” (su primer número uno en Estados Unidos e Inglaterra).

Músicos:

Lindsey Buckingham - guitarra, voz
Mick Fleetwood - percusión, batería
Christine McVie – sintetizadores, teclados, voz
John McVie – bajo
Stevie Nicks – voz


Tracklist:

01. Second Hand News
02. Dreams
03. Never Going Back Again
04. Don’t Stop
05. Go Your Own Way
06. Songbird
07. The Chain
08. You Make Loving Fun
09. I Don’t Want to Know
10. Oh Daddy
11. Gold Dust Woman

bonus track P&C:
12. Dreams (versión demo)


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martes, 2 de febrero de 2010

Billy Joel - 52nd Street (1978)





Este “52nd Street” es el sexto álbum de estudio de Billy Joel, editado en 1978, y es el primero de sus trabajos que llegó al número uno de Billboard, junto con dos Grammy, uno de ellos como “Mejor Album del año”. De hecho, “52nd Street” fue el primer álbum editado en el formato CD por Sony Music en 1982.

Tres singles alcanzaron el Top 40 norteamericano: “My life” (número 3), “Big shot” (número 14) y “Honesty” (número 24)

Billy Joel le agrega elementos de jazz y de música latina a su habitual estilo de rock y pop. El disco está lleno de canciones fabulosas. Creo que sin dudas está una de las mejores baladas de todos los tiempos (“Honesty”), seguida de cerca por “Until the night”, lo que convierte al álbum también en uno de mis favoritos de siempre.


Músicos:

Billy Joel – piano, voz
Doug Stegmeyer – bajo y coros
Liberty DeVitto – batería
Richie Cannata – saxo, organo, clarinete
Steve Khan – guitarras
Freddie Hubbard – trompeta en "Zanzibar"
Mike Mainieri –marimba en "Zanzibar" y "Rosalinda's eyes"
David Spinozza – guitarra acústica en "Honesty"
Peter Cetera – coros en "My Life"
Hugh McCracken – guitarra en "Until the night" and "Rosalinda's eyes"


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lunes, 1 de febrero de 2010

Stevie Wonder - The Jazz Soul Of Little Stevie (1962)



El 13 de mayo de 1950, ciego de nacimiento y tercero de una familia de 6 hijos, nació Steveland Morris, hijo de un pastor protestante y de una madre luchadora, persona cuya ceguera le obliga a cambiar su forma de comunicarse con el mundo, sustituyendo las formas por notas , la luz por las melodías y los contornos por ritmos, creando un mundo musical lleno de matices.

Sus padres, cuando el pequeño Stevie tenía 5 años, se separaron y se trasladó junto a su madre y cinco hemanos a Detroit, donde sobrevivieron no sin grandes esfuerzos. Su voz, fuera de lo normal, hace que su madre lo ingrese en el coro de la iglesia; es su primer contacto con la música. Pero su alma llena de ritmo y swing hizo que no tardara en reunirse con otros “negritos” de la parroquia , siguiendo los pasos de “The Miracles” y otros grupos de Rythm & Blues ó Jazz, dedicándose a hacer actuaciones en las calles del barrio. Esto hizo que una feligresa denunciara tal “aberración” e interrumpió momentáneamente los comienzos musicales de Stevie, que tuvo que conformarse con oir música en su programa de radio preferido y soñar con un piano.

La suerte, en este caso sonrió al pequeño Stevie, e hizo que una organización benéfica le regalara una batería, que aunque no era el piano soñado, le sirvió para empezar a crear ritmos. Comienza a tocar con más frecuencia y participa en un grupo con un primo suyo,
quien le proporciona una audición para la casa discográfica Tamla-Motown, donde es inmediatamente contratado al quedar encandilados con este personaje de 11 años.

La incipiente casa de discos Motown, creada por negros para producir música negra en un medio blanco-hostil, le rebautiza como Little Stevie Wonder. No tarda en alcanzar su primer éxito: “Fingertips”: una canción bailable grabada en directo que le hace conseguir su primer disco de oro y convertirlo en una pequeña estrella. Decide suprimirse el “little” de su nombre artístico y empieza a grabar una serie de discos producidos por Clarence Paul.

Stevie Wonder debutó con este álbum a la edad de 11 años, fue un inicio increible donde demostró sus habilidades tocando los drums, bongos , armónica y teclados. Tambien demostró sus habilidades como compositor en algunos temas. Es un disco con toques instrumentales, y con sonidos jazz adelantados para su época.


Tracklist:

01. Fingertips
02. Square
03. Soul Bongo
04. Manhattan at Six
05. Paulsby
06. Some Other Time
07. Wondering
08. Session Number 112
09. Bam


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Stevie Wonder - Tribute To Uncle Ray (1962)



Disco que , como su título indica , es un homenaje a la música de Ray Charles, la cual disfrutaba oyendo en la radio. No se puede considerar un disco fantástico , la mayoría de los temas del genio Ray Charles no se pueden comparar cantadas por la voz de un niño de 12 años, pero si se puede ver la ambición de este pequeño Stevie, que las adversidades en la vida no le impedían dar rienda a su tremendo talento.


Tracklist:

01. Hallelujah, I Love Her So
02. Ain't That Love
03. Don't You Know
04. Masquerade
05. Frankie and Johnny
06. Drown in My Own Tears
07. Come Back Baby
08. Mary Ann
09. Sunset
10. My Baby's Gone



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