viernes, 31 de diciembre de 2010

Patrizia Laquidara - Indirizzo Portoghese (2003)




Que tiene de especial Patrizia Laquidara? Pues, un amor desmedido por la música, y en particular por la bossa nova, el tropicalismo, el pop, el tango, el jazz y la música medio-oriental. Pero sobre todo por la música brasileña, que vive con intensa pasión habiendo trabajado por largo tiempo con músicos suramericanos.
Este es un álbum que muestra las grandes cualidades y habilidades musicales y de interpretación de Patrizia. Delicado, refinado, elegante, con la romántica "Mielato", la despreocupada "Indirizzo Portoghese", la introspectiva "Dentro Qui", la sabrosa "Rosa" o la jazz "Sciroppo di Mirtilli". Y además la maravillosa "Agisce", escrita con Bungaro, con la que ha obtenido varios premios, y el tema presentado a Sanremo "Lividi e Fiori".
Un disco para escuchar y degustar despacito, como un buen vino!

Gracias a nuestro "Cómplice" Antonio.


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Tracklist:

01. Mielato (P. Laquidara - A. Canto, Bungaro)
02. Indirizzo portoghese (P. Laquidara - P. Laquidara, A. Canto)
03. Caotico (P. Laquidara - A. Canto)
04. Dentro qui (P. Laquidara - A. Canto, P. Laquidara)
05. Sciroppo di mirtilli (P. Laquidara - A. Canto)
06. Kanzi (P. Laquidara - D. Sarno, Bungaro)
07. Agisce (P. Laquidara - Bungaro)
08. Le rose (G. Lapi - F. Mesolella, F. Spinetti)
09. Essenzialmente (P. Laquidara - P. Baù)
10. Per causa d'amore (Kaballà - M. Venuti)
11. Uirapuro (H. Valdemar)
12. Lividi e fiori (A. Romanelli, P. Laquidara - Bungaro, P. Laquidara)
13. Cu cu rru cu cù paloma (T. Méndez)


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jueves, 30 de diciembre de 2010

Lucio Dalla - Automobili (1976)



"Automobili" es el último Lp de lucio Dalla con textos de Roberto Roversi.
Después de los dos anteriores discos, la pareja Dalla-Roversi concibe un espectáculo titulado "Il futuro dell'automobile e altre storie" que obtiene buen éxito; Dalla decide entonces grabar algunas de las canciones del espectáculo, en contra de la opinión de Roversi, el cual hubiera preferido un disco con el show completo, y por eso decide no firmar los temas y depositarlos en la SIAE usando el seudónimo "Norisso". Eso causa el final de la colaboración entre los dos; las canciones no elegidas por Dalla quedarán inéditas, a excepción de una, "Ho cambiato la faccia di un Dio", que dalla grabará en 1990 en el álbum "Cambio" cambiando, de hecho, el título en "Comunista".
"Automobili" que en su mono-temática es el más heterogéneo de los tres discos, es premiado por las ventas, sobre todo por el tema "Nuvolari"; es el primer disco en el que colaboran con Dalla cuatro músicos que, años después, darán vida a los "Stadio" (Giovanni Pezzoli, Marco Nanni, Ricky Portera y Gaetano Curreri).
Entre las canciones del disco es famosa "Il motore del duemila" (grabada también en disco realizado con Gianni Morandi) y es divertida "Intervista con l'Avvocato", en la que Dalla, usando su famoso scat, imagina una entrevista con Gianni Agnelli (L'Avvocato).
La canción "Mille miglia" es, en realidad, compuesta por dos diferentes canciones, que en la primera edición en vinilo se titulan "Mille miglia prima" y "Mille miglia seconda".
Todos los arreglos son del mismo Lucio dalla.


Músicos:

Lucio Dalla - voz, sax, clarinete, pianoforte
Giovanni Pezzoli - batería
Mario Scotti - bajo
Rosalino Cellamare (Ron) - piano eléctrico
Luciano Ciccaglioni - guitarra, mandolina
Rodolfo Bianchi - sax, flauta
Ruggero Cini - eminent, acordeó
Roger Mazzoncini - piano elétrico, eminent
Carlo Capelli - pianoforte, sintetizador
Tony Esposito - percusiones
Baba Yaga - coros
In "Nuvolari": orchesta de cuerdas con arreglos y dirección de Ruggero Cini


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Tracklist:

01. Intervista con l’avvocato
02. Mille miglia (prima e seconda)
03. Nuvolari
04. L’ingorgo
05. Il motore del 2000
06. Due ragazzi


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miércoles, 29 de diciembre de 2010

Zucchero - Chocabeck (2010)




A cuatro años de distancia de "Fly" sale el nuevo álbum de Zucchero; es su onceavo disco totalmente de inéditos.
Grabado entre Los Angeles, Bolgheri y Londres es producido por Don Wast, Breendan O'Brian y Zucchero. En el disco hay colaboraciones de lujo, como a menudo pasa en los trabajos del artista: Francesco Guccini, Bono, Pasquale Panella y Mimmo Cavallo. Participación a las cuerdas de Jon Hopkins e Davide Rossi (ya con los Coldplay). Cuenta además con Brian Wilson, leader de los Beach Boys, come corista en la canción "Chocabeck".
En la versión internacional, el álbum presenta como segunda pista "Someone else's tears", con texto del leader de los U2, Bono, y que he añadido como Bonustrack.
En el libreto del cd Zucchero explica el significado de "chocabeck": una palabra del dialecto de Reggio Emilia que se refiere al ruido del pico vacío de animales como la gallina o el pavo, algo así como "chocapico"; un eufemismo para decir que no hay nada para comer.
El álbum debutó en la primera posición en el ranking oficial de Italia, lugar que ocupó durante dos semanas consecutivas.


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Tracklist:

01. Un soffio caldo (Francesco Guccini, Zucchero)
02. Il suono della domenica (Zucchero)
03. Soldati nella mia città (Zucchero)
04. È un peccato morir (Zucchero, Pasquale Panella)
05. Vedo nero (Zucchero, Mimmo Cavallo)
06. Oltre le rive (Zucchero, M. Marcolini, C. Cancogni/Pacifico, Zucchero)
07. Un uovo sodo (Zucchero)
08. Chocabeck (Zucchero, Pasquale Panella)
09. Alla fine (Zucchero)
10. Spicinfrin boy (Zucchero)
11. God bless the child (Zucchero, Chaz Jankel, Roland Orzabal, Hussy Derek)
12. Bonus Track - Someone else's tears

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lunes, 27 de diciembre de 2010

Gianluca Grignani - Romantico Rock Show (2010)



Después de dos años de silencio sale el nuevo disco de Gianluca Grignani, "Romantico Rock Show", todo con canciones inéditas y definido por el mismo cantautor como un "concept albun", inspirado por dos palabras: rock y amor.
Dice el mismo Grignani: "Había anunciado un concept album y he decidido usar el concepto de amor para hablar de la vida y del mundo que nos rodea. Un día me han venido a la mente las tres palabras clave: Romántico Rock Show. Ha sido una iluminación. El romanticismo es amor. El rock es lo que nos pasa. El show es lo de todos los días y, además, yo hago exactamente eso. Este álbum es una total declaración de amor para el público. Yo he sido siempre más intimista, pero esta vez he querido abrirme y, por medio de estas canciones, dialogar todavía más con mis fans."

El disco parece años luz lejano de "La Fabbrica di Plastica": participan también el coro gospel "Voci per Voi", tiene una sección de cuerdas y el corno francés (trompa) de Giovanni Hoffer. Los textos de de todos los temas inéditos son de Grignani y la producción es de Andrea Tripodi.


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Tracklist:

01. Intro
02. Più Veloce Del Suono
03. Romantico Rock Show
04. Sei Sempre Stata Mia
05. Un Anno Come Un'ora
06. Il Più Fragile
07. Rimani Acqua Di Mare
08. Sei Unica
09. Amica Mia
10. Non Ho Più' Fiducia
11. Come Solo Tu
12. Le-Ro-Là


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domingo, 26 de diciembre de 2010

Belle & Sebastian - Write About Love (2010)



Después de 5 años de trabajos en solitario, proyectos alternos, participaciones en bandas sonoras y descansos necesarios, Belle & Sebastian regresa con uno de sus mejores discos. El nuevo material discográfico de la banda más querida de Glasgow lleva el nombre de "Write About Love", título que no podría encajar más con su sensibilidad característica. El álbum combina la intimidad que sobresale en sus trabajos anteriores junto con los pensamientos cautivadores y, a veces, perturbadores de Stuart Murdoch.

Write About Love se grabó en los meses de abril y mayo en el reconocido estudio Sound Factory en la ciudad de Los Angeles. La producción corrió a cargo de Tony Hoffer (Beck, Phoenix, Goldfrapp, Stars, Air y Depeche Mode), quien trabajó con B&S en The Life Pursuit. La composición del álbum fue un trabajo conjunto, donde todos los integrantes colaboraron, siendo Stuart el cabecilla de la creación.

El disco incluye invitadas de lujo en las vocales: la actriz Carey Mulligan, y Norah Jones. El Write About Love será editado en un impecable digipack. El booklet incluye ensayos y recuerdos escritos por Stuart sobre la grabación del disco.

En una entrevista realizada hace poco Stuart declaró que “cada disco es una representación de la banda”. Y sin duda, "Write About Love" es la muestra de un grupo que aún no pierde el talento de componer canciones que cuentan buenas historias, con gran sentido del humor y que vienen acompañadas de música íntima y majestuosa. Con esta nueva placa, Belle & Sebastian rompe con la espera del regreso de una de las bandas más queridas de la música, y nos muestra que la espera valió la pena por completo.


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Tracklist:

01. I Didn't See It Coming
02. Come On Sister
03. Calculating Bimbo
04. I Want The World To Stop
05. Little Lou, Ugly Jack, Prophet John (con Norah Jones)
06. Write About Love (con Carey Mulligan)
07. I'm Not Living In The Real World - de Stevie
08. Ghost of Rockschool
09. Read The Blessed Pages
10. I Can See Your Future
11. Sunday's Pretty Icons

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Belle & Sebastian - Tigermilk (1996)



Belle & Sebastian es un grupo de indie pop escocés formado en Glasgow en enero de 1996. El nombre de Belle and Sebastian parte de una novela infantil francesa convertida en serie de éxito a principios de los 70 en torno a Sebastien, un chico de los Pirineos y su perro Belle.
Los miembros actuales del grupo son: Stuart Murdoch (voces, guitarra y teclados), Stevie Jackson (voces y guitarra), Chris Geddes (teclados), Sarah Martin (violín y voces), Mick Cooke (trompeta y bajo), Bobby Kildea (guitarra y bajo) y Richard Colburn (batería). Entre sus antiguos miembros se encuentran Isobel Campbell (voces y cello) y Stuart David (bajo). Algunos proyectos paralelos incluyen las bandas Gentle Waves, V-Twin y Looper.

Difícil creer que en un comienzo, sólo había mil copias de este LP dando vueltas por el mundo. Un buen debut para Stuart Murdoch, quién escribió todas las canciones antes de formar su grupo (hecho que de repente explica que el sucesor supere a Tigermilk), y su banda recién formada. Es díficil clasificar la música belle&sebastiana, por lo que el adjetivo "indie" le sienta bien. La temática del álbum son las diferentes relaciones humanas que se forman a lo largo de la vida y las consecuencias, algunas nefastas, en las personas. Simple y hermoso, con un sonido nublado, absolutamente sincero respecto a sus influencias y al mismo tiempo, con un sonido que le ha servido de inspiración a más de una banda en la actualidad.

Stuart Murdoch: Vocals, Guitar
Stuart David: Bass
Isobel Campbell: Cello
Chris Geddes: Keyboards, piano
Richard Colburn: Drums
Stevie Jackson: Guitar
Mick Cooke: Trumpet


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Tracklist:

01. The State I Am In
02. Expectations
03. She´s Losing It
04. You Re Just A Baby
05. Electronic Renaissance
06. I Could Be Dreaming
07. We Rule The School
08. My Wandering Days Are Over
09. I Don t Love Anyone
10. Mary Jo

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sábado, 25 de diciembre de 2010

Annie Lennox - A Christmas Cornucopia (2010)





Sabemos que es una especie de rara tradición que artistas de diversos países y estilos musicales publiquen, en algún momento de sus carreras un “álbum de Navidad”. Si creen que están ante uno de esos acostumbrados discos, olvídense.

Lennox se reunió con el co productor de su último álbum de estudio “Songs of Mass Destruction” para hacer este disco, rodeada de una orquesta de 30 músicos, un coro de niños africanos y ella misma rodeada por un arsenal de instrumentos.

El álbum incluye once villancicos y una composición original y ni una referencia al tintineo de campanas o muñecos de nieve. Los resultados son exuberantes y pulidos, con clase, y el álbum se ajusta perfectamente al estilo de Lennox. Ella y Stevens evidentemente han querido sacudiar a las canciones de su estado de escucha fácil, y lo consiguieron.


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viernes, 24 de diciembre de 2010

SUMO - Divididos por la Felicidad (2005)





Luca Prodan nació en Roma, el 17 de mayo de 1953. Este italiano cantando en inglés y castellano fue el responsable de una de las últimas grandes transformaciones del rock argentino.

En Roma fue detenido por tenencia de marihuana, tal vez fue una de las razones por las cuales los padres lo enviaron a Londres donde vivió casi toda la década del ’70. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. Al volver a Roma lo detuvieron nuevamente por no haber hecho el servicio militar. Fue entonces cuando aceptó la invitación de su amigo Timmy que vivía en un campo en Córdoba, Argentina. Así fue que llegó y se radico en este país, buscando recuperación física y espiritual. No hablaba ni una sola palabra de castellano. Sin embargo, volvió a conectarse con la música. Se instala en Buenos Aires, en el barrio del Abasto en 1981. El grupo que armaron estaba compuesto por la voz de Luca, con Germán Daffunchio en la guitarra y Alejandro Sokol en el bajo. Luca viaja a Inglaterra en busca de equipos y además trae una nueva integrante, una amiga inglesa, Stephanie Nuttal quien tocará la batería.

Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo, y Ricardo Mollo en guitarra. Roberto Pettinato, un periodista de rock, fue invitado a tocar el saxo en algunos shows, y quedó como integrante definitivo, y finalmente Sokol abandona el grupo siendo reemplazado por Alberto Troglio. Ya estaba conformado SUMO.

El debut discográfico se produjo en 1985 con “Divididos por la Felicidad”, un disco fabuloso que marca una bisagra en el rock argentino y a partir del cual la banda pasaría a ser uno de los referentes del panorama musical. Rock mezclado con funk, post punk y reggae; más el agregado de un cantante que cantaba tanto en español como en inglés, pero con acento italiano… lo cual no era algo común aquellos días.

Luca Prodan murió el 23 de diciembre de 1987, tras graves problemas por su adicción al alcohol y las drogas, pero la marca de los discos editados por SUMO siguen siendo una influencia innegable en muchisimos grupos de rock de Argentina


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jueves, 23 de diciembre de 2010

Mia Martini - Per amarti (1977)




En 1977 Mia, después de representar a Italia en el Eurofestival, graba el sencillo "Per amarti", una de sus más grandes interpretaciones, tema compuesto por Bruno Lauzi y Maurizio Fabrizio (mismos que años después firmarán la famosa "Almeno tu nell'universo". Le sigue de inmediato el álbum con el mismo nombre, en el que colabora por primera vez con Ivano Fossati, que firma los temas "Sentimento" y "Se finisse qui", una cover. Es el comienzo de un vínculo artístico y sentimental decisivo para su vida y su carrera.
Mia escribió el texto italiano de "Somebody to love dei Queen", interpretandola magistralmente, con el título de "Un uomo per me". En suma un excelente álbun que no se pueden perder.


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Tracklist:

01. Se finisse qui (I. Fossati/R. Hodgson/R. Davies) (Give a little bit)
02. Da capo (R. Cocciante/M. Luberti)
03. Sentimento (I. Fossati)
04. Se ti voglio (C. Minellono/L. Bayer Sager/A. Hammond) (When I need you)
05. Un uomo per me (M. Martini/F. Mercury) (Somebody to love)
06. Per amarti (B. Lauzi/M. Fabrizio)
07. Innamorata di me (B. Lauzi/M. Fabrizio)
08. Shadow dance (H. Harvey/Fontana)
09. Ritratto di donna (C. Vistarini/F.M. Cantini/L. Lopez)
10. Canto malinconico (B. Lauzi/M. Fabrizio)


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miércoles, 22 de diciembre de 2010

Bee Gees - The Ultimate (2009)





Formado por el trío de hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb en los años 1960, se encuentra entre los más importantes del género, con más de 40 años de actividad musical ininterrumpida. En las décadas de los 60' y 70' fueron parte inseparable de la escena musical mundial, en especial con la fiebre disco, de la mano del productor Robert Stigwood. En los años 80' se dedicaron a colaborar con otros artistas y tiempo después volvieron a los estudios.

La banda cesó su actividad en 2003 con la muerte del menor de los hermanos, Maurice Gibb. Los sobrevivientes Barry y Robin anunciaron entonces que el nombre de Bee Gees ya no sería usado más en presentaciones. Fue uno de los grupos más exitosos en la historia de la música, vendiendo más de 220 millones de copias entre álbumes y singles.

Como se sabe, de los tres, los hemanos Robin y Maurice eran mellizos y habían nacido justamente un 22 de diciembre de 1949, excusa ideal entonces para compartir este estupendo compilado que contiene todos sus grandes éxitos, y algunas tomas en vivo inéditas hasta la edición de este álbum (como “Guilty” o “Hearbreaker”).




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martes, 21 de diciembre de 2010

John Mayall - So Many Roads: An Anthology 1964-1974 (2010)





John Mayall - So Many Roads: An Anthology 1964-1974, es un boxset con la compilación de la mejor época de Mayall.

Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser. A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el "and The Bluesbreakers", para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.
John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”.
Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería.
Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido.
Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson.
Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar.
Después de “Hard road” John Mayall se volvió a quedar sin guitarrista al marcharse Peter Green para formar Fleetwood Mac. El reemplazo fue Mick Taylor, futuro miembro de los Rolling Stones. Aynsley Dunbar también dejó la formación, entrando en la misma Keef Hartley y los saxofonistas Chris Mercer y Rip Kant.
Con estos cambios John Mayall grabó otro de sus mejores trabajos, “Crusade" (1967), un disco muy bien recibido de nuevo (número 8) por los seguidores del blues y el R&B.
El tercer disco grabado por Mayall en 1967 fue “The blues alone” (1967), en donde el líder de la banda, sin acreditar al lado de los Bluesbreakers, estaba solamente acompañado por el batería Keef Hartley, tocando él todos los demás instrumentos. Este disco sería el primero en entrar en la lista del Billboard americano (número 59).
Al año siguiente editaron “Diary of a band vol. 1 y 2” (1968), en donde, sin acreditar por problemas contractuales, aparecía Jimi Hendrix tocando la guitarra en el tema “The Lesson” del primer volumen. En esta etapa se produjeron nuevos cambios.
Rip Kant dejó su puesto a Dick Heckstall-Smith y John McVie, que se fue a Fleetwood Mac, fue reemplazado por Keith Tillman.
Con producción de Vernon, como casi siempre en esta primera y mejor etapa de la banda, Mayall publicaría en 1968 uno de sus discos más recordados, “Bare Wires” (1968), álbum (número 3) con Tony Reeves al bajo y John Hiseman a la batería que mostraba, además del blues, su querencia también hacia sonidos jazz.
“Blues from Laurel Canyon” (1968), con Steve Thompson al bajo y Colin Allen a la batería, fue el último disco en el cual sonó la guitarra de Mick Taylor en los Bluesbreakers, ya que tras la pérdida de protagonismo y muerte de Brian Jones en los Rolling Stones, Mick fue requerido para sustituirlo.
“The turning point” (1969), disco en directo producido en solitario por John Mayall y grabado en el Fillmore East de Nueva York, fue el último trabajo de los Bluesbreakers en los años 60 y en el mismo se escuchaban las guitarras de Mayall y la de Jon Mark.
La música de Mayall y sus variantes chicos prosiguió siendo apreciada de manera considerable tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos, en donde su audiencia era creciente a un estilo fiel y honesto. “Empty room” (1970), fue su primer disco (número 9 en el Reino Unido y 33 en los Estados Unidos) grabado en estudio para Polydor tras el directo “The turning point”.

Algunos de sus mejores trabajos de los muchos grabados en los años 70 fueron “Back to the roots” (1971), el directo “Jazz Blues Fusion” (1972), que significaba a la perfección su sonido con estas actuaciones en Boston y Nueva York, “A banquet in blues” (1976) o “The last of the british blues” (1978).
A comienzos de los años 80 abandonó las grabaciones pero retomó su carrera a mediados del decenio para girar y volver a grabar, en especial discos en directo.
“Tough” (2009) es su último trabajo en estudio.


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lunes, 20 de diciembre de 2010

Astor Piazzolla – Su Orquesta y María de la Fuente (1950-1952)





La cantante María de la Fuente no tuvo la espectacularidad de otras voces de su época, y se podría decir que siempre permaneció a la sombra de los músicos que la citaron para integrarla como cantora de sus orquestas. Luego de diversos trabajos en programas de radio y locales nocturnos, llega al disco en 1946, en el sello Odeón, cuyos directivos tenían la intención de hacerle grabar boleros e introducirla en el mercado latinoamericano. Ella manifiesta su vocación tanguera y les propone grabar los dos géneros, lo cual es aceptado. Registra 10 temas. Pero entre 1950 y 1952 graba ocho temas más, para el sello TK, acompañada por la orquesta de Astor Piazzolla, con repertorio absolutamente tanguero. En esa época, como dijimos, Piazzolla enfocaba su trabajo al servicio de una renovación imparable dentro de la música popular.

Esas grabaciones (con las que seguimos compartiendo la discografía de Piazzolla) se realizaron en discos de 78 rpm., y nunca fueron parte de un disco. Las obras fueron reunidas por primera vez en esta recopilación (restaurada por Jorge Finkielman), que incluye cuatro tangos interpretados sólo por la orquesta de Astor Piazzolla (los tracks 5 al 8).


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domingo, 19 de diciembre de 2010

Edith Piaf - Greatest Hits (2008)





La cantante y letrista francesa Edith Giovanna Gassion nació en París el 19 de diciembre de 1915. Su vida estuvo marcada por la desdicha desde su más tierna infancia, lo que ejerció una influencia decisiva sobre su estilo interpretativo, lírico y desgarrado al mismo tiempo. Su aspecto desvalido le valió el nombre por el que es universalmente conocida: Piaf (gorrión).

Su vida cambió cuando, cantando en la calle, un transeúnte muy elegante se paró a escucharla. Ese hombre resultó ser Louis Leplée, propietario del cabaret Gerny's, uno de los más conocidos de París. Tras una pequeña prueba, Edith fue contratada de inmediato. Su éxito no tardó en llegar y fue conocida como "Môme Piaf" (pequeño gorrión). Había nacido una nueva estrella: Edith Piaf.


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Hoy la gran Piaf cumpliría 95 años, y entonces lo festejamos con esta completísima recopilación de sus grandes canciones, realizada por el sello grabador pirata ruso Star Mark, en el que no falta ninguna de esas melodías inmortales que tienen el sello del gorrión de París.




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sábado, 18 de diciembre de 2010

Gilbert Bécaud - Toute La Vie en Bécaud (2002)





Hace hoy nueve años que, como dijera en su momento Charles Aznavour, “nos ha dejado un amigo, nos ha dejado un gran intérprete… un gran compositor”. Hablaba de Gilbert Bécaud, fallecido el martes 18 de diciembre de 2001 a bordo de su bote-casa en el Río Sena.

Un artista genial de quien ya hemos compartido buen material AQUÍ. Este doble CD reúne sus grandes éxitos y fue editado por la EMI un año después de su muerte. Nos pareció una buena forma de recordar al “Caballero de la Legión de Honor” de la República Francesa.



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viernes, 17 de diciembre de 2010

Dori Ghezzi - Piccole Donne (1983)






La cantante italiana Dori Ghezzi nació el 30 de marzo de 1946, y su carrera comienza gracias a un concurso regional en el que se presentó (y ganó) en 1966. Advertidos de su talento, unos productores del selo Durium, le ofrecen un contrato.

En 1967 debuta en el Festival delle Rose di Roma, en el que sale segunda con su versión de “Vivere per vivere”, que Francis Lai había compuesto para el filme de Claude Lelouch. Luego de diversas actividades en el mundo de la música, y participaciones en festivales de gran prestigio como Sanremo, y la grabación de algunos covers, en 1972 se une al bajista Wess, que también grababa en la Durium, y hacen la versión italiana de “United we stand” (Voglio stare con te), que fue un simple de enorme suceso. A partir de allí, Dori continúa su carrera solista en forma paralela a la del dúo.

En 1979 Dori y su pareja, el gran músico Fabrizio De André se establecen en la región sara de Agnata. La noche del 27 de agosto de aquel año, la pareja es secuestrada y hecha prisionera, siendo liberados cuatro meses después, tras el pago de un cuantioso rescate.

Luego de esa experiencia, Dori retoma su carrera en los años ’80, registrando varios singles. En 1983 retorna a Sanremo, obteniendo el tercer puesto con “Margherita non lo sa”. Este, junto a otros singles, conforman este álbum que aquí presentamos, producido por Oscar Prudente y compuesto por él mismo junto a O. Avogadro, con las participaciones de Ivano Fossati en la guitarra.

Dori Ghezzi se retira de la música a causa de un problema en sus cuerdas vocales en 1990.


Tracklist:

01. Piccole donne
02. Vola via
03. Stella bionda
04. Luna Park
05. Margherita non lo sa
06. Notte
07. Quando dormi
08. Ma che festa sará



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jueves, 16 de diciembre de 2010

Maria Bethânia – A Força Que Nunca Seca (1999)





Este disco de María Bethania está realizando mirando hacia sus raíces, teniendo como un hilo conductor a verdaderos íconos de la música de Brasil en un repertorio especial y personalmente elegido por ella misma. La canción que dio impulso al álbum fue “E o amor”, de Di Camargo, popular por ser la banda de sonido de una serie de televisión local. Pero fuera de ella hay verdaderas joyas como “Nao tenha medo”, de Miltinho Edilberto, “Eu queria que você viesse” con música de Carlinhos Brown y Marisa Monte. Y clásicos como “Gema”, de Caetano y “As flores dojardim da nossa casa” de Roberto y Erasmo Carlos.

Un disco lleno de poesía, excelentes arreglos y un carácter brasileño al 100%, producido por Jorge Davidson, Guto Graça Mello y Moogie Canázio.




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miércoles, 15 de diciembre de 2010

Djavan - Bicho Solto (1998)





Bicho Solto” es el décimotercer álbum de Djavan, lanzado en 1998 (por eso verán en la contratapa el número XIII). Fue producido por el propio Djavan, y grabado entre marzo y julio de aquel año en Rio de Janeiro, Brasil. Todos los temas le pertenecen en letra y música a excepción de “A carta”, con letra del rapero brasileño Gabriel O Pensador, “Be fair”, de su hija Flávia Virginia y “Retrato da vida”, compartida con Dominguinhos.

En este trabajo están algunos de los mayores hits de Djavan, como “Eu te devoro” y “Amar é tudo”, aunque personalmente prefiero “Pássaro” y “Retrato da vida”, que no fueron singles, pero contienen unas melodías arduamente trabajadas (y hermosas), amén de letras llenas de poesía y sentimiento.

Un disco fabuloso, personal y brillante.


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martes, 14 de diciembre de 2010

Patrizia Laquidara - Para Você Querido Caé (2001)



Su gran amor es la música brasileña, tanto que esta cantautora italiana, nacida en Catania, Sicilia, en 1972, ha dedicado su primer álbum a uno de los más grandes artistas de este género: Caetano Veloso.
Entre los quinze famosos temas hay uno que no pertenece a la Música Popular Brasileña; se trata de "Cucurrucucú" (Cu cu rru cu cù paloma) del compositor méxicano Tomás Méndez, y hay que reconocer que está muy bien interpretada.
Gracias a nuestro "Cómplice" Antonio por presentarnos esta artista.


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Tracklist:

01. O ciùme (intro) - Vocè è linda
02. Sampa
03 Carolina
04. Itapuà
05. A tua presença, Morena
06. Eu sei que vou te amar
07. Coraçào vagabundo
08. O cu do mundo
09. E preciso perdonar
10. Cucurrucucù
11. Lindeza
12. Cajuina
13. Meditaçào
14. O ciùme
15. Minha voz, minha vida



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domingo, 12 de diciembre de 2010

Caetano Veloso - Livro (1997)






Este disco es, para mi gusto, uno de los mejores de toda la discografía de Caetano Veloso (que continuamos de este modo). Con puntos altísimos como el tema que da título al álbum, “Voce e minha”, “Para ninguem”… y la lista continúa, con un disco adictivo que nunca se cansa de dejarse oir.



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Caetano Veloso - Prenda Minha (1998)






Este trabajo le reportó a Caetano Veloso ganar su primer Disco de Diamante por ventas de más de un millón de copias. El álbum es excepcional, y si bien se corresponde con la gira de “Livro”, este trabajo supera ampliamente las expectativas, siendo una mezcla entre un sensacional “grandes éxitos” en vivo, sumado a versiones de temas de su propio repertorio y de otros autores, incluso algunas nunca interpretadas anteriormente. Hay partituras geniales convertidas en gemas únicas:

"Meditação" (Tom Jobim/Newton Mendonça), "Jorge de Capadócia" (Jorge Benjor), "Drão" (Gilberto Gil), "Carolina" (Chico Buarque) y "Linha do Equador" (Djavan).



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sábado, 11 de diciembre de 2010

Astor Piazzolla - Orquesta Típica (1947 - 1948)





Con esta orquesta, de formación similar a las demás orquestas típicas de la época Piazzolla comienza a desarrollar su impulso creador con composiciones y orquestaciones con un mayor criterio armónico y dinámico. Ese tango, comienza a provocar las primeras polémicas entre los tangueros clásicos.

En 1949 siente la necesidad de disolver la orquesta, apartarse del bandoneón, y casi del tango. Sigue estudiando Bartok y Stravinski, estudia dirección orquestal con Herman Scherchen, escucha mucho jazz, y decide abandonar el bandoneón para dedicarse a escribir y a profundizar sus estudios musicales. Tenía 28 años.

Con esta producción original de P&C, continuamos el recorrido por la discografía completa de Astor Piazzolla. Y lo hacemos con sus primeras grabaciones -realizadas en este caso entre 1947 y 1948-, en discos de 78 rpm para el sello Odeón. El tracklist está en orden cronológico. La recopilación es propia, y las cubiertas fueron realizadas especialmente por Paola.



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viernes, 10 de diciembre de 2010

Nada - Live Stazione Birra (2008)



Treinta y cinco años han pasado desde que Nada grabó "1930: Il Domatore Delle Scimmie", pero su voz no ha perdido fuerza; es la misma de aquel lejano 1969, cuando con solo quince años asombró a toda Italia con su "Ma che freddo fa".
Como bien dice el título, "Live Stazione Birra" es un álbum grabado en directa el 28 de septiembre 2008 en el homónimo Disco-Restaurant romano.
El álbum sale al terminar la gira "Luna in piena" y reúne una amplia panorámica de la carrera de Nada, desde los clásicos pop ("Ma che freddo fa" e "Il cuore è uno zingaro") a los hits de los años ochenta ("Amore disperato" y "Ti stringerò"), desde el homenaje a Piero Ciampi ("Come faceva freddo") al rock de autor más reciente.


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Tracklist:

01. Stretta (Inedito) (Malanima)
02. Guardami negli occhi (Malanima)
03. Luna in piena (Malanima)
04. Amore disperato (Manzoli-Venturi)
05. Ma che freddo fa (Migliacci-Mattone)
06. Ti stringerò (Manzoli-Lusini)
07. Senza un perchè (Malanima)
08. Il cuore è uno zingaro (Migliacci-Mattone)
09. L'amore è fortissimo (Malanima)
10. Chiedimi quello che vuoi (Malanima)
11. Piangere o no (Malanima)
12. Il sole è grosso (Malanima)
13. Come faveva freddo (Ciampi-Pavone-Marchetti)
14. Distese (Malanima)
15. Tutto a posto (Malanima)
16. Novembre (Inedito) (Noseda) (Feat. Les Fleurs des Maladives)


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jueves, 9 de diciembre de 2010

Michael Jackson - Michael (2010)





Luego de versiones, anticipos y debates varios, está listo el nuevo álbum de Michael Jackson, titulado simplemente con su nombre. Y lo de “nuevo” es justamente porque contiene diez tracks nunca antes publicados. Son canciones que escribió, produjo (y co-produjo) en distintos lugares y fechas y que probablemente iban a integrar un futuro nuevo álbum. Hay un par de dúos y colaboraciones con intérpretes de hip hop como Akon y 50Cent, y el rocker Lenny Kravitz, pero lo más auténtico es el verdadero sello MMJJ en cada track, con sus tics, su estilo y su voz. El Rey, evidentemente, no ha muerto… por lo menos, desde su arte.


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miércoles, 8 de diciembre de 2010

John Lennon & Yoko Ono - Stripped Double Fantasy (2CDs – 1980/2010)





Luego del nacimiento de su hijo Sean, en 1975, John Lennon hizo una pausa en su carrera, y luego de cinco años en los que tuvo poca actividad relacionada con la música más allá de la grabación de demos en su departamento de New York, se sintió listo para volver al ruedo. En el verano de 1980 hizo un viaje a Rhode Island, y allí empezó a escribir canciones y reescribir viejos demos. Yoko Ono también escribió nuevas canciones y finalmente decidieron publicar todo el material en el mismo álbm. Ese fue el nacimiento de “Double Fantasy”, el últlimo disco publicado por Lennon antes de su asesinato en ese mismo 1980, tragedia de la que hoy se cumplen 30 años.

De la variedad de discos remasterizados que acaban de lanzarse al mercado con motivo del que hubiera sido el cumpleaños número 70 de Lennon (en octubre pasado), sin dudas este es el mejor. "Double Fantasy Stripped Down", contiene dos CDs: uno, el disco original de 1980 y otro, una nueva mezcla 2010, que retira gran parte de la post producción de estudio y nos muestra despejadas y al frente la voz de Lennon y su guitarra. El resultado es espectacular... las canciones suenan como nuevas... y personalmente, me gustan más.

Según Yoko Ono, "Double fantasy stripped down" realmente permite centrar la atención en la asombrosa voz de John. "La tecnología ha avanzado tanto que, en cambio, yo quería utilizar nuevas técnicas para enmarcar realmente estas increíbles canciones y la voz de John de la forma más sencilla posible. Despojando y simplificando de parte de los arreglos e instrumentaciones, el poder de las canciones brilla y trasluce con una mayor claridad. Fue mientras trabajaba en la nueva versión de este álbum cuando me sentí más profundamente emocionada, ya que este fue el último álbum que publicó John antes de de su muerte".

Aquí va entonces este doble álbum, con el artwork completo en archivo separado, incluyendo letras, apuntes técnicos y detalles de la producción 2010.



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martes, 7 de diciembre de 2010

Nada & Reale Accademia di Musica - 1930: Il Domatore Delle Scimmie (1975)



Después de "Ho scoperto che esisto anch'io", escrito por Piero Ciampi, Nada realiza un álbum con la Reale Accademia di Musica, grupo de rock progresivo (que hemos presentado AQUÍ) autor de casi todas las canciones del disco, y que acompaña a Nada en todos los temas, ocupándose también de los arreglos musicales.
Infortunadamente no tiene grande éxito de mercado y queda pronto fuera de catálogo, convirtiéndose en una rareza.
Nada y Reale Accademia di Musica comparten algunas presentaciones, después de lo cual el grupo se desintegra.


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Tracklist:

01. Il domatore delle scimmie (Henryk Topel)
02. Sexy rosa (Nada, Henryk Topel)
03. Perché non doni il tuo amore (Enzo De Luca)
04. Alte sfere (Henryk Topel)
05. E' bello cantare (Enzo De Luca)
06. Idea comune (Henryk Topel)
07. Nuda (Henryk Topel)
08. Lady Onion (Enzo De Luca, Henryk Topel)
09. Cinema (Enzo De Luca, Henryk Topel)
10. Nada (Henryk Topel)
11. Il mostro (Enzo De Luca)
12. Parabola (Henryk Topel)


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lunes, 6 de diciembre de 2010

Roy Orbison - The Sun Years (1984)





Se cumplen hoy 22 años del fallecimiento de este gran cantante, guitarrista y compositor de los comienzos del rock, sin duda uno de sus padres. Su carrera se extendió por más de cuatro décadas.

Cuando Roy Orbison llega a Sun Records en 1956 era un rocker. Había desarrollado un poderoso estilo con su guitarra, con un sonido rockabilly que era prominente, para no hablar de su extraordinaria voz. Es olvidado a menudo el hecho de que Orbison era un guitarrista genial, pero estas grabaciones en Sun Records lo dejan absolutamente en claro.

Esta compilación incluye todas las grabaciones de Roy Orbison and the Teen Kings hechas en 1956, 1957 y 1958, como también las grabaciones que Roy hizo con los músicos de sesión del Estudio. Están incluídas algunas tomas alternativas que no fueron editadas antes de la aparición de este registro, algunos demos, y la grabaciones que hizo como músico de sesión y segunda voz.

Este es el registro, entonces, de los inicios de uno de los mejores músicos de rock (tal vez el mejor cantante) emergido a mediados de los años ’50, para seguir poniendo en el mundo de la música el sello de su calidad durante los siguientes 40 años.


Disco Uno

01. Ooby Dooby (grabación 1)
02. Tryin' t get to you (grabación 1)
03. Ooby Dooby (grabación 2)
04. Go go go
05. You're my baby
06. Rockhouse
07. Domino
08. Sweet and easy to love
09. Devil doll
10. The cause of it all
11. Fools Hall of Fame
12. A ture love goodbye
13. Chicken hearted
14. I like love
15. Mean little mama (grabación 1)
16. Problem child


Disco Dos

01. I was a fool (con Ken Cook)
02. Tryin' to get to you (grabación 2)
03. This kind of love
04. It's too late
05. I never knew
06. You're gonna cry
07. You're gonna cry
08. Mean little mama
09. You tell me
10. I give up
11. One more time
12. Lovestruck
13. The clown
14. Claudette
15. Jenny (con Ken Cook)
16. Find my baby for me (con Sonny Burguess)
17. Ooby Dooby (grabación 3)




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domingo, 5 de diciembre de 2010

VA – Motown Around The World - The Classic Singles (2010)





Cualquier similitud con algunas producciones de P&C es pura coincidencia! Pero este disco es una rareza muy interesante.

Todos conocemos el suceso mundial del sello Motown y sus artistas a mediado de la década de 1960. Pero incluso el sello quería más, asi que hacia el final de esos años, las super estrellas de Motown hicieron grabaciones en italiano, alemán, francés y español, versionando varios de sus éxitos, generalmente en discos simples que fueron editados en los países en los que se hablaba esos idiomas.

De eso se trata este álbum: una colección de esos singles que, como tales, hace décadas están descatalogados. El packaging es extraordinario, y lo he incluído completo en el mismo archivo. Imperdible!!!



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sábado, 4 de diciembre de 2010

Claudio Baglioni - E Tu (1974)




En febrero de 1974, Gianni Nazzaro participa con A modo mio en Sanremo sin el permiso de Claudio. El episodio es un símbolo evidente del poder de las casas discográficas sobre los cantantes. Desde hace un tiempo, Claudio no se lleva bien con la RCA porque, entre otras cosas, le va imponiendo la publicación de un disco cada año. Recordemos la apresurada salida de Gira che ti rigira amore bello, los cortes del disco Questo piccolo grande amore y las canciones publicadas en forma reducida o censurada. Citemos como ejemplo que Ninna Nanna Nanna Ninna, que es una versión musical de la poesía de Trilussa de 1917, aparecerá en el disco E tu privada de 3 versos y con popolo frescone en vez de popolo coglione.
No habiéndose concretado el sueño de una ópera rock, Claudio encuentra a Vangelis, el hombre justo en el momento justo: en París realiza E tu.
Es un triunfo y en poquísimos días lo vuelve a poner en el primer lugar de la clasificación de ventas: 11 semanas el single E tu/Chissà se mi pensi y 3 meses el LP. Consigue el primer Disco de oro.
Las copias de la primera emisión del disco regalan un poster en blanco y negro conteniendo los textos de las canciones y la cubierta se abre con una foto desenfocada en el interior de Claudio y Paola.
Así comienza un nuevo tour y el disco alcanza las primeras posiciones en las clasificaciones de España y Sudamérica, donde se publica E tu (Y tu en español y E você en portugués).

(Fuente: www.soloclaudio.com/)


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Tracklist:

01. E tu
02. Oh Merilù
03. E me lo chiami amore
04. Ad Agordo è così
05. Ninna nanna nanna ninna (da Trilussa)
06. Chissà se mi pensi
07. A modo mio
08. Il mattino si è svegliato
09. Quanta strada da fare
10. Canto


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Claudio Baglioni - Gira Che Ti Rigira Amore Bello (1973)




En los primeros meses de 1973, las presiones de la RCA en la idea de repetir el éxito obtenido con Questo piccolo grande amore no se hacen esperar. Le meten prisa a Claudio y en mayo de 1973 sale Gira che ti rigira amore bello con cubierta provisional y enteramente blanca. Pocos días después aparece en el mercado la cubierta definitiva, en la que aparece Claudio sentado en el techo de su coche de entonces, el mítico Citroën 2 CV amarillo y negro, más conocido como la "Camilla". El disco contiene algunas canciones de las cuales ya se conocía la música: Miramare/Caro padrone y Casa in costruzione/Cincinnato, señal evidente de la prisa que ha caracterizado la grabación.
Es fácil imaginar que algunas canciones provengan de descartes de Questo piccolo grande amore. La versión gráfica del disco es muy parecida al precedente: la cubierta se abre y en el interior se ve el viaje del protagonista del álbum. También se trata de un concepto de álbum total: es la historia de un muchacho que pasa el verano dando vueltas con su Camilla en busca de libertad.
El disco no obtiene el éxito del anterior y la 5ª posición del single Amore bello/W l'Inghilterra es el mejor resultado. Con el pasar del tiempo, de todos modos, alcanzará considerables niveles de venta y será valorado en su justa medida por muchos seguidores de Claudio.

Señalemos que algunas canciones del disco se graban en español, por ejemplo Lettera (Carta), Amore bello y W l'Inghilterra (Viva Inglaterra).

(Fuente: www.soloclaudio.com/)


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Tracklist:

01. Gira Che Ti Rigira
02. 70, 80, 90, 100...
03. W L' Inghilterra
04. Io Me Ne Andrei
05. E Apri Quella Porta
06. Ragazza Di Campagna
07. Casa In Costruzione
08. Miramare
09. Amore Bello
10. Lettera
11. Gira Che Ti Rigira


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Claudio Baglioni - Claudio Baglioni (1970)





En mayo de 1970, Baglioni conoce a Antonio Coggio, su principal colaborador en los años venideros, y en abril (y con Coggio como productor) la RCA publica su primer single: Una favola blu/Signora Lia.

Muchas de las canciones que había escrito antes encuentran espacio en su primer LP (con excepción de “Una favola blu”, no escrita por él) llamado Claudio Baglioni , que sale a la venta el 18 de septiembre de 1970. Vende un millar de copias y es retirado del mercado. Los comentarios de la prensa son fuertes y Claudio es definido como un cantor de cosas histéricas, tristísimas y sin sentido.

Presentamos aquí aquel primer disco, cuarenta años después.



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viernes, 3 de diciembre de 2010

Spandau Ballet - Journeys To Glory (1981)




Spandau Ballet es una banda popular inglesa de los años 80. Inicialmente inspirada por una mezcla de funk y synthpop, finalmente cambiará su estilo al pop.
El guitarrista y compositor Gary Kemp, y su hermano, el bajista Martin Kemp, forman la banda en 1979, junto con el batería John Keeble, el cantante Tony Hadley y Steve Norman, que al principio tocaba la guitarra, y posteriormente pasó a tocar el saxo, al cambiar el estilo musical. Rapidamente consiguieron captar la atención del público apelando a métodos de promoción poco convencionales: durante 1980 actuaron en todos los lugares de moda, pero también lo hicieron en lugares tan exóticos como salas de proyección Art Déco abandonadas, iglesias barrocas y en un buque de guerra perpetuamente anclado a orillas del Tamesis, el HMS Belfast. De esa manera lograron captar el interés de las compañías discográficas y una gran cobertura por parte de los medios. Sin embargo, cuando se concretó la edición de su álbum debut, "Journeys to Glory", la prensa rockera atacó al grupo sin miramientos. Un crítico de la influyente Melody Maker los acusó de fascismo, argumentando que los símbolos y la ideología de "Journeys to Glory" eran iguales a los que, en su momento, había utilizado el nazismo. Que el nombre de la banda remitiera, teóricamente, a los espasmos de los criminales de guerra nazis "bailando" mientras eran ahorcados en la prisión de Spandau, esa misma prisión donde todavía se encontraba Rudolf Hess -y no a un campo de concentración, como erróneamente se dijo- reforzaba esa denuncia. Además, este periodista los tildaba de elitistas y glorificadores de las clases dominantes. Spandau Ballet desmintió cualquier tipo de apología al nazismo en una carta que, entre otras cosas, decía lo siguiente: "Estamos escribiendo esta carta no porque no te guste la música de Journeys to Glory, que eso es tu prerrogativa, desde luego, aunque sea anonadante el ser juzgado por alguien que no está en la misma onda que la música y que aparenta no tener idea de lo que está intentando lograr [...] nuestro principal motivo para responder es la rabia absoluta que nos han levantado tus afirmaciones y tus presunciones sociales. No queremos aburrir a nadie con nuestras listas de miembros del Partido Laborista y demás actividades políticas pero dejémoslo totalmente claro: no somos fascistas y no somos miembros del partido conservador. EI hecho de que el grupo no incluya declaraciones políticas manifiestas en su música no es una razón para suponer que sus conceptos son superficiales. Eso es tan estúpido e ignorante como, digamos, suponer que si un periodista trabaja para un gran imperio editorial es un defensor ardiente del sistema capitalista. La realidad es que Spandau Ballet no encaja en tu restringida visión del mundo ni en tus inexactos y limitados estereotipos. Nadie dice que estemos creando un nuevo movimiento. Las actitudes del grupo, y en particular el deseo de no ir por la vida como unos tirados, no son nuevas para la cultura juvenil, pero probablemente resulten rara en esa área de la reciente música rock/punk que es tan elitista, aislada y superficial aunque tú pienses que, de alguna forma, es parte del mundo real. Hay una actitud total de respecto a la música y la vida en general en un enorme sector de la juventud de la nación de la que queramos atribuirnos el papel de instigadores ni de representantes: somos meros productos de esa actitud. Lo sentimos, pero no nos avergüenza el hecho de no querer ir vestidos como mendigos; esa es nuestra prerrogativa ¿o no se nos permite vestir como quisiéramos? Tú seguramente te sorprenderías de que las clases trabajadoras en general no estén particularmente interesados en vestir mal, que no imitan a nadie y que quieren el mejor nivel de vida posible ¿Y por que no? Para eso existen los sindicatos: para mantener y mejorar el nivel de vida de sus miembros. Recuerda que los trabajadores tienen que luchar por su subsistencia durante toda su vida: para ellos no es solo una ideología [...] Concluyendo. Tus intentos de conectar la presentación del disco con el nazismo son lamentables. Las imágenes clásicas y heroicas han sido usadas en otros muchos contextos (por ejemplo, en los carteles colectivistas rusos) todo lo cual has ignorado convenientemente en un intento de asegura tu una sentencia de culpabilidad".
Una declaración de principios que sirve para aclarar las dudas sobre las intenciones de Spandau Ballet en particular, y de todo el movimiento New Romantic en general.

Más allá de cualquier polémica, es indiscutible el carácter singular de "Journeys to Glory". A pesar de sus evidentes limitaciones técnicas, consiguieron un sonido muy particular: distante, sintético y marcial, claramente influenciado por Kraftwerk y la dupla Bowie/Eno, pero accesible y bailable. Mientras tanto, sus letras dicen cosas como estas: "Bleak and tired Western skies/Silence crashing with quiet lies/Shattered glass reflects elation/Reformation, Reformation" (Reformation) o estas otras: "We're building fires that will burn until morning/The smell of books and hot stone surround us/Tough is the leather that strapped to my skin/Strong are the bonds that we make" (Musclebound).

Con el paso del tiempo Spandau Ballet fue resignando claridad conceptual. En "Diamond" (1981) todavía podemos encontrar muchos momentos de brillo, pero a partir de "True" (1982), la banda se convertiría en un exponente del más pasteurizado pop. "Journeys to Glory", en cambio, se mantiene como una fiel fotografía de un momento irrepetible en la música pop, tan frívolo como fascinante.


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Tracklist:

01. To Cut a Long Story Short
02. Reformation
03. Mandolin
04. Muscle Bound
05. Age of Blows
06. Freeze
07. Confused
08. Toys


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jueves, 2 de diciembre de 2010

Astor Piazzolla - Orquesta Típica (1946)





Con esta producción original de P&C, continuamos el recorrido por la discografía completa de Astor Piazzolla. Y lo hacemos con sus primeras grabaciones -realizadas en este caso en 1946-, en discos de 78 rpm para el sello Odeón. El tracklist no es caprichoso: están en orden cronológico cada uno de esos discos, primero el lado A de cada uno, y luego el lado B. La recopilación es propia, y las cubiertas fueron realizadas especialmente por Paola.


Músicos:

Astor Piazzolla: bandoneón, arreglos, dirección
Roberto Di Filippo, Leopoldo Federico, Isidoro Sallago, Abelardo Alfonsín, Vicente Toppi, Jorge Luongo: bandoneones
Hugo Baralis, Andrés Rivas, Rodolfo Fernández, Carmelo Caballaro: violínes
Angel Molo, José Federighi, Ramón Bataller : violoncello
Atilio Stampone: piano
Valentín Andreotta: contrabajo
Aldo Campoamor, Héctor Insúa, Alberto Fontán Luna: canto


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