sábado, 13 de marzo de 2010

Claudio Villa - Claudio Villa canta l'operetta (1968)





Tengo que aclarar que nunca me ha gustado Claudio Villa, sea como artista que como persona. La persona era altanera, buscapleitos y presumida; el artista, debo reconocer que tenía una gran voz, pero su repertorio no era en absoluto de mi gusto. Así que, no solo nunca compré un disco suyo, sino que si en radio entraba su voz, de inmediato cambiaba de emisora.
Pero este es un disco muy peculiar, y creo que también dificil de conseguir, que me ha mandado nuestro "Cómplice" Christian, y visto que todavía hoy hay muchos admiradores de Claudio Villa vamos a presentarlo:

La opereta es un tipo de teatro musical, animado y satírico, cuya característica fundamental es la de contar con una trama argumental inverosímil y disparatada. Consta de diálogos hablados entre los que se intercalan canciones, llamadas couplets por los franceses, y bailes como el rigodón o el cancán.
Este género se extendió por varios países europeos, siendo especialmente relevante en Viena. Las operetas vienesas presentan generalmente un argumento más serio y sentimental que las francesas. Otro de los rasgos que la distinguen es el empleo del vals, un elemento musical de esencial importancia.
Jacques Offenbach es quizás el compositor de operetas más conocido, siendo sus dos obras más famosas Orfeo en los infiernos y La bella Helena.
Johann Strauss (hijo) compuso otra opereta muy conocida: Die Fledermaus (El Murciélago).


Claudio Villa, cuyo nombre real era Claudio Pica, nació en 1926 en Roma. Alcanzó la fama en 1955 al ganar por primera vez, lo ganaría en otras tres ocasiones, el Festival de San Remo. Villa grabó más de 3.000 canciones y apareció en 25 películas, entre ellas "L'Amore Nasce a Roma" (1958), "Granada Addio!" (1967) y "Melodramore" (1977).
Fue apodaqdo "il reuccio" (el pequeño rey), por su temperamento fiero y orgulloso, durante un episodio del espectáculo televisivo "Rosso e nero", conducido por Corrado.

Claudio Villa, con voz de tenor, no supo renovar su repertorio al cambiar los tiempos y las modas. En particular, quedará para siempre vinculada a la canción más melódica y popular al estilo típico de los años 50. Son proverbiales los vehementes enfrentamientos con los que criticaron su repertorio. Cada año, en el Festival de Sanremo protagonizaba grandes polémicas con la organización y la prensa, ya sea que estuviese entre los participantes, así como si había sido eliminado. Pero Claudio Villa siempre podía contar con el afecto de su público, que siguió cada movimiento de su carrera.
Murió de un ataque cardiaco en 1987. Desde entonces, sus temas se han reeditado varias veces. También se han realizado numerosas recopilaciones como "Collezione Claudio Villa" (2003).


***

Tracklist:

01. Quando Il Giorno Muor (Lombardo-Ranzato-Berra)
02. O Dolce Fanciulla (Lehar-Lohner-Hertzer-Nordio-Boschetti)
03. Napoletana Come Canti Tu (Lombardo-Costa-Berra)
04. O Fanciulla All'Imbrunir (Lehar-Willner-Reichter)
05. Là Fuor Nel Silente Silenzio (O.Strauss-Dormann-Jacobson-Larici)
06. Sui Vent'Anni Pien D'Amor (Zeller-West-Held)
07. Tu Che M'Hai Preso Il Cuor (Lehàr-Lohner-Herzer)
08. Notte Di Luna (Schubert-Bertè-Willner-Reicher)
09. Se Le Donne Vò Baciar (Lehar-Jenbach-Knepler)
10. Sei Tu Felicità (Lehar-Willner-Bodanzky)
11. Venite Orsù Sirene (Lehar-Léon-Stein-Fontana-Ramo)
12. Tace Il Labbro (Lehar-Léon-Stein-Fontana-Ramo)
13. (bonus track) Piccola Butterfly (Redi-Bertini) (2-1963)
14. (bonus track) Povero Cuore (Offenbach-Guardabassi-Scillia) (5-1968)
15. (bonus track) Io Vivo Con Te (F.Chopin-C.Pica) (10-1972)
16. (bonus track) Ciricribin (Tiochet-Pestalozza) (1-1973)



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viernes, 12 de marzo de 2010

Jimi Hendrix - Valleys Of Neptune (2010)





James Marshall «Jimi» Hendrix nació en Washington, el 27 de noviembre de 1942 y falleció tempranamente en Londres el 18 de septiembre de 1970. Es a mi juicio el mejor guitarrista de la historia del rock, además de innovar e influir artistas en géneros más allá del rock. La revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y el año pasado la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia.

***

Cuatro meses antes de su muerte en 1970, Jimi Hendrix estuvo en los estudios Record Plant de Nueva York para terminar “Valleys of Neptune”, un tema en el que estuvo trabajando casi dos años. Esa canción inédita es la que le da nombre a una colección de doce temas de Hendrix nunca antes escuchados. El material de este álbum data mayoritariamente de 1969, y deviene de la asociación del sello Sony con los herederos de Hendrix (principalmente su hermanastra Janie) que, dicen, permitirá la aparición de nuevo material de Hendrix en los próximos años. En este caso se trata de grabaciones nunca antes escuchadas. Y suenan realmente de un modo increíble desde el punto de vista técnico… desde lo artístico, baste decir que es Hendrix.



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jueves, 11 de marzo de 2010

Luis Borda - Hecho 1985/2003 (2003)





Luego de participar como guitarrista en diversas agrupaciones de rock, el guitarrista argentino Luis Borda participó en dos proyectos de muy significativo valor en su carrera musical: el grupo del autor, compositor y bajista Emilio Del Güercio y en el ensamble del bandoneonista y compositor Rodolfo Mederos.

Su experiencia junto a Mederos devino en la formación de su propio ensamble “Luis Borda Trío” que con el tiempo se ampliaria a quinteto y sexteto interpretando sus primera composiciones.

Desde el año 1996 Luis Borda vive y produce en la ciudad de Munich, Alemania. Ha realizado conciertos en importantes salas de toda Europa y, de hecho, junto a su hermana la cantante Lidia Borda se presentaron en la reapertura de la famosa Biblioteca de Alejandría en Alejandría, Egipto. Naturalmente, realiza frecuentes presentaciones en Argentina.

Luis Borda ha producido numerosos CDs, tanto propios como de otros artistas, y hoy quiero compartir con ustedes este “Hecho”, que resume 18 años de logros musicales entre Alemania y Buenos Aires. Todos los temas son de su autoría excepto “Rayuela” de Luis Navalesi y “Milonga de mis amores”, de Contursi y Láurenz (demoledora versión). Esta es ya razón suficiente para que esta placa tenga un gran valor pero el virtuosismo y la calidad de Borda como compositor e intérprete lo convierten en un disco imperdible que recomiendo fervientemente.


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miércoles, 10 de marzo de 2010

Marcelo Mercadante - Suburbios Del Alma (2007)





Marcelo Mercadante inició sus estudios de bandoneón con Rodolfo Mederos. Más tarde, perfeccionó la técnica del instrumento con los maestros Daniel Binelli, Julio Pane, Néstor Marconi y Juan José Mosalini.

En 2007 edita su disco de tangos-canción grabado en Buenos Aires en el otoño de 2006, Suburbios del alma, con música propia y letras de Pablo Marchetti, en las voces destacan entre otros colaboradores el cantaor flamenco Miguel Poveda con tres temas, la cantante Martirio, Lidia Borda (a quien ya hemos presentado en nuestro blog), Elba Pico, Omar Mollo y Alejandro del Prado.


Tracklist:

01. Esa palabra - canta: Angel Poveda
02. No sueño - canta: Lidia Borda
03. Como sigo? - canta: Martirio
04. En que ciudad vivis? - canta: Omar Mollo
05. Sombra victoriosa - canta: Miguel Poveda
06. Malvon - canta: Lidia Borda
07. Nunca juegues al poker con Rene Lavand - canta: Omar Mollo
08. Vereda otoñal - canta: Elba Picò
09. Lejos - canta: Lidia Borda
10. Tu mejor alumno - canta: Omar Mollo
11. Mas nada - canta: Miguel Poveda
12. Razonable - canta: Alejandro del Prado



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martes, 9 de marzo de 2010

Toquinho & Vinicius de Moraes – Toquinho, Vinicius & Amigos (1974)





Más que un disco con colaboraciones, es una reunión e amigos. Una sesión de grabación de Vinicius y Toquinho que, a pesar de sus 35 años de existencia, permanece fresca y espontánea.

En 1974 fue un año productivo: Vinicius y Toquinho compusieron dos canciones incluídas en la banda sonora de la novela televisiva “Fogo sobre terra”. También editaron el disco “Vinicius e Toquinho”, su cuarto álbum de estudio con canciones de su autoría. Y también en ese año apareció este disco que, a lo largo de 34 años quedó sin reedición en CD hasta que, en 2008, apareció como parte de un CD Box de estos geniales artistas en el contexto de los 50 años de la Bossa Nova.

Los “amigos” en cuestión son Chico Buarque, María Bethânia, María Creuza, Cyro Monteiro y el italiano Sergio Endrigo.



Tracklist:

01 - Apelo (Baden Powell / Vinicius de Moraes)
Toquinho, Vinicius, Maria Bethânia

02 - Que Martírio (Haroldo Lobo / Milton de Oliveira)
Cyro Monteiro, Toquinho, Vinicius

03 - Tomara (Vinicius de Moraes)
Maria Creuza, Toquinho, Vinicius

04 - Poema Degli Occhi (Vinicius de Moraes)
Sergio Endrigo, Toquinho

05 - Samba da Rosa (Toquinho / Vinicius de Moraes)
Toquinho & Vinicius

06 - Você Errou (Cyro Monteiro)
Cyro Monteiro, Toquinho, Vinicius

07 - E Se Esqueça de Mim (Toquinho)
Toquinho

08 - La Casa (Bardotti / Vinicius de Moraes / Paulo Soledade)
Sergio Endrigo, Toquinho, Vinicius

09 - Viramundo (Gilberto Gil / Capinan)
Maria Bethânia, Toquinho

10 - Lamento no Morro (Tom Jobim / Vinicius de Moraes)
Maria Creuza, Toquinho, Vinicius

11 - Desencontro (Chico Buarque)
Chico Buarque, Toquinho



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domingo, 7 de marzo de 2010

Carmen Consoli – Elettra (2009)





Carmen Consoli nació el 4 de septiembre de 1974 en el sur italiano, cerca de Catania, en San Giovanni La Punta. . Desde que era niña, ella mostró que su pasión era la musica y su padre guitarrista la introdujo a el blues y a la musica negra. A partir de los 9 años empezó a tocar la guitarra eléctrica y a los 14 empieza a tocar con el grupo rock Moon Dog's Party.

A los 15, Carmen se marchó de casa para vivir en Roma y obedecer a su vocación. Ella debutó en 1996 en el Festival de Sanremo, pero recién alcanzó el éxito masivo en 1997 con "Confusa e felice", primer sencillo de su segundo álbum que fuera Disco de Platino.

“Elettra” es su séptimo álbum, y fue editado en noviembre de 2009, alcanzando los charts de ventas italianos y conquistando el disco de oro en dos semanas. El primer single fue “Non molto lontano da qui”, aunque personalmente también recomiendo “Mandaci una cartolina” y “Marie ti amiamo”, en dúo con Franco Battiato.

Carmen Consoli es una excelente cantante (con un tono de voz absolutamente particular y distinto) autora e intérprete que merecía un lugar en nuestra Casa, para los que ya la conocían y para los que tengan ganas de descubrir a una artista singular.


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sábado, 6 de marzo de 2010

Ornella Vanoni - A Un Certo Punto (1974)





Gran admirador de Ornella Vanoni, igual que yo, Luca II empieza hoy (y pronto seguirá con una compilación personal) a hablarnos de ella.

Presentamos hoy el primer Lp publicado por Ornella bajo la etiqueta Vanilla, que ella misma fundó.
Un disco interesante, aunque no muy diferente de los que lo han inmediatamente precedido. Aquí tambien encontramos canciones atmosféricas, textos introspectivos y arreglos curados hasta en el mínimo dettalle para espresar al máximo el espiritu de cada tema. Escuche, por ejemplo, "Il Milano- Roma" y digan si no les parece de viajar también ustedes en aquel tren que trae a casa la protagonista, después de otro "appuntamento" (cita) terminado mal.
Los autores son los de siempre, con algun nuevo llegado: un todavía desconocido Renato Zero firma la ingeniosa "Dipende", mientras Rosalino Cellamare (el futuro Ron) y Gian Franco baldazzi, ambos del círculo de Lucio dalla, le escriben "Prime ore del mattino". El consabido espacio dedicado a covers es todo para la música brasileña, con versiones italianas de "O poeta apprendiz" ("L'apprendista poeta") de Toquinho y Vinicius de Moraes, con los que pronto Ornella realizará un álbum destinado a convertirse en uno de los hitos de su carrera, y la frenética "Cheva, suor e cerveja" ("La gente e me") de Caetano Veloso. Sergio Bardotti, productor del álbum, se encarga de la traducción de ambas canciones.. El sencillo extracto es "Stupidi" (grabado también en español) que no tendrá un gran éxito de ventas y que será superado en notoriedad por "La gente e me", utilizada como lado B y presentada por Ornella repetidamente en la televisión.

Las mejores canciones son, por lo que a mí respecta, "La tana degli artisti" y el ya mencionado "Il Milano-Roma", título que alude no sólo al tema tratado en el texto, sino también al traslado real de Ornella a la capital para convertirse en su propria manager y discográfica.

LucaII

(Testo in italiano nei "Comentarios")


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Tracklist:

01. Stupidi (Shel Shapiro-Paolo Limiti)
02. L'apprendista poeta (O poeta apprendiz) (Vinicius de Moraes-Toquinho- Sergio Bardotti)
03. Prime ore del mattino (Rosalino Cellamare - Sergio Bardotti - G.F.Baldazzi)
04. Il continente delle cose amate (L.Ricchi - Ornella Vanoni)
05. Il Milano-Roma (C.Castellari)
06. Dipende (Renato Zero-Sergio Bardotti)
07. Fammi andare via (Maurizio Fabrizio - L.Albertelli - Ornella Vanoni)
08. La tana degli artisti (C.castellari - S.Scandolara)
09. La gente e me ( Cheva, suor e cerveja) (Caetano Veloso - Sergio Bardotti)


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Astor Piazzolla & The Di Mara Sisters – Memorie di Roma (1958)





En 1958 Astor Piazzolla disuelve el Octeto y la orquesta de Cuerdas y viaja a Nueva York a trabajar como arreglador.

Entre 1958 y 1960 actúa en Estados Unidos, donde realizó la experiencia negativa del Jazz-Tango. Justamente a ese período pertenece este raro disco que aquí presentamos. Piazzolla dirige una Orquesta y hace los arreglos de las canciones para acompañar a un trío conformado por las hermanas italianas radicdas en Estados Unidos: Lilian, Rose y Marisa Di Mara. Las chicas tenían la pretensión de ser algo así como las “Andrew Sisters”, pero cantando en italiano e inglés. Las chicas llegaron desde Italia a Estados Unidos en 1953, hcieron su primera presentación en 1955 y ya llevaban un par de discos editados para cuando se encontraron con Piazzolla.

Imagínense eso mezclado con los arreglos de Piazzolla que intentaba combinar su nuevo tango con el jazz norteamericano! Un material bastante lejano del tango, por cierto, pero imperdible por su valor histórico.



Tracklist:

01. Ferryboat serenade (Di Lazzaro - Adamson - Panzeri)
02. La strada del amore (Jack Reardon)
03. Roman guitar (Harper - Bruno - Di Lazzaro)
04. Welcome to Italy (Bretta - Sorzi)
05. All yours (Tua) (Pallesi - Malgoni)
06. I've got a guy (Dannon - Dominguez)
07. Tango of roses (Tango delle rose) (Schreier - Bottero - Gamse)
08. Ti voglio tanto béne (Dannon - Bogos)
09. Vieni vieni (Rastelli - Panzeri)
10. Echoes of love (Dale - Blackton - Ormont - Tobias)
11. Bachiami bambino (Stanley - Morbelli - Astore)
12. Memorie di Roma (M. King - M. Di Mara)


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viernes, 5 de marzo de 2010

Astor Piazzolla - Lo Que Vendrá (1957)





Este es un disco muy particular de Astor Piazzolla, editado en 1957. De los diez tracks, a excepción de “Bando” y “Contrastes”, los demás fueron grabados en Montevideo, Uruguay, con sus músicos y una Orquesta de Cuerdas. Eso explica la inclusión de un candombe de autoría de Piazzolla (“Yo soy el negro”).

En este disco aparecen los ya mencionados “Bando” y “Contrastes”, ambos con autoría de Piazzolla, grabados por un Quinteto Nuevo Tiempo que no es el Quinteto de Astor Piazzolla. El paso de los años, distintas reediciones, desconocimiento de comentaristas y de grabadoras, crearon todavía mayor confusión: fueron adjudicados al Quinteto de Piazzolla… sin serlo!


Músicos:

Astor Piazzolla: bandoneon
Elvino Vardaro: violin
Jaime Gosis: piano
Jose Bragato: cello
Juan Vasallo: bajo
Quicho Díaz: bajo
Jorge López Ruiz: guitarra
Jorge Sobral: voz



Tracklist:

01. Lo que vendrá (Piazzolla)
02. Miedo (Vardaro / Arolas)
03. Yo soy el negro (Piazzolla / Gorostiza)
04. Sensiblero (Julián Plaza)
05. Bando (Piazzolla)
06. Tres minutos con la realidad (Piazzolla)
07. Noche de amor (F. Franco)
08. La tarde del adiós (López / Lambertucci)
09. La chachila (Arolas)
10. Contrastes (Piazzolla)




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jueves, 4 de marzo de 2010

Les Violons du Roy - Piazzolla (2006)





Les Violons du Roy es un grupo de trece músicos reunidos en 1984 en Canadá por el director artístico Bernard Labadie, cuyo nombre está inspirado en el de las célebres orquestas de los Reyes de Francia. Se especializan en realizar un vasto repertorio de música de orquesta de cámara, interpretándolos estilísticamente como originalmente hubiese sido en la época original de la composición, a pesar de que tocan con instrumentos modernos.


En el año 2006 grabaron un disco de tangos. Básicamente dedicado a la obra de Astor Piazzolla (aunque también incluyen una composición del violinista José Bragato). Logran en su interpretación un clima inigualable, seductor, melancólico y de un altísimo nivel musical. Creo que incluso a aquellos que no les gusta el tango, se enamorarían del género de sólo escuchar este disco, que además ganó el prestigioso JUNO Award en la categoría mejor disco de orquesta de cámara. además prueba porqué Piazzolla es inmenso en su faz de compositor.



Tracklist :

Las Cuatro Estaciones porteñas
Arreglos para violón solo y cuerdas de Leonid Desyatnikov
01. Verano porteño
02. Otoño porteño
03. Invierno porteño
04. Primavera porteña
Pascale Giguère, violon

Dos tangos para Orquesta y Cuerdas
05. Coral
06. Canyengue

07. Fuga y Misterio

José Bragato (1915- )
08. Graciela y Buenos Aires (para violoncello solo y cuerdas)
Benoît Loiselle, violoncelle

Astor Piazzolla (1921-1992)
09. Milonga del Ángel (arr. J. Bragato)
10. La Muerte del Ángel (arr. J. Bragato)



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miércoles, 3 de marzo de 2010

Daniel Barenboim – Rodolfo Mederos – Héctor Console - Mi Buenos Aires Querido (1996)





Daniel Baremboim: director de la Chicago Symphony Orchestra, nació y vivió sus primeros años en Buenos Aires, ciudad de la que se fue con su familia a la edad de 9 años. Nació en la Argentina, creció en Israel y hoy se reparte entre Europa y los EE.UU. Es además el director musical general de la Deutsche Staatsoper, la Ópera Estatal de Berlín conocida como Unter den Linden desde 1992. El 12 de enero de 2008, después de un concierto en Ramala, Barenboim aceptó también la ciudadanía palestina honoraria. Su entrenamiento clásico y su experiencia brillan en su interpetación de este repertorio de tangos.

Rodolfo Mederos: Nacido en Buenos Aires, comenzó su carrera en 1960. En sus comienzos, estaba hechizado por Piazzolla, pero quería escapar de esa influencia a pesar de haber tocado con Astor e integrado varios años la orquesta de Osvaldo Pugliese. Mederos es dueño de una gran ductilidad para fusionar con aire de tango diferentes ritmos y géneros y ha grabado participaciones en discos de artistas tan disímiles como Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta o Joan Manuel Serrat.

Héctor Console: Nació en el año 1939 en la provincia de Buenos Aires. Estudió guitarra, violín y contrabajo, y este último instrumento fue con el cual se decidió a ejercer en su carrera musical. Participó en diversos conjuntos como la Orquesta de Carlitos García, Hugo Baralis, Raúl Garello, Atilio Stampone, Osvaldo Manzi, Horacio Salgán, Néstor Marconi y otros. Integró el conjunto de Astor Piazolla en 1978.

Esta es una maravillosa colección de tangos interpretada por estos tres soberbios músicos grabada en 1996 y sobre la que huelgan los comentarios tanto por su virtuosismo como por el repertorio elegido… Imperdible!

Músicos:

Daniel Barenboim: piano.
Rodolfo Mederos: bandoneon.
Hector Console: contrabajo



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martes, 2 de marzo de 2010

Paolo Conte - Paris Milonga (1981)




El cantante, poeta, pintor y abogado Paolo Conte es un prototipo multifacético. Nacido en 1937 en Asti, Italia, Conte se hizo popular a mediados de los 60 como compositor. Su debut en solitario homónimo apareció en 1974, con el álbum "Paolo Conte" que contiene una sua version de "Una giornata al mare", y algunas canciones nuevas entre las cuales "Onda su onda", que algunos meses despues es grabada con éxito por Bruno Lauzi.

"París milonga" es el cuarto álbum de Conte, autor de textos, música y arreglos.
Despés del paréntesis de "Un gelato al limone" Conti vuelve a colaborar con Italo "Lilli" Greco, el productor de sus dos primeros álbumes; vuelve además al estudio de grabación de esos dos primeros Lp, o sea el Format de Tirín, en el que graba dos canciones, "Vioa con me" y "pretend; los otros temas los graba en los estudio de la RCA en Roma.


En este Lp lleva todavía más adelante el discurso musical vinculado al jazz e al swing, solo sugerido en la anteriores grabaciones, amarrandolo alla música sudamericana; "Paris Milonga" es el disco que definitivamente consagra a Paolo Conte (es también su primer álbum difundido en el extranjero), gracias sobretodo a "Via con me", una de las más conocidas de las canciones del artista. Otros temas del disco dignos de nota son: "Alle prese con una verde milonga", que da en parte el título al álbum, en el que cita al musico argentino Atahualpa Yupanqui, "último gran intérprete de la danza de la pampa llamada milonga"; "Boogie", que años después interpreta Ivano Fossati; "L'ultima donna", respuesta de Conti a la canción "La prémière fille" de Georges Brassens, y "Pretend", enteramente en inglés e interpretada por dos coristas.

Musicos:

* Paolo Conte: voz, piano, vibráfono, blue blow, OBX
* Lele Melotti: battéria (eceptuado "Via con me")
* Bruno Astesana: batéria en "Via con me"
* Pino Calì: bajo
* Claudio Dadone: guitarra
* Renzo Marino: guitarra
* Jimmy Villotti: guitarra eléctrica
* Michel Salmon: guitarra en Pretend
* Happy Ruggiero: eminent
* Sandro Comini: trombón
* Giancarlo Parodi: trompeta
* Guido Guidoboni: trompeta
* Giuseppe Lentini: trompeta
* Angelo Gabrielli: sax
* Luca Polidori: sax
* Italo Marconi: sax
* Luigi Cavallo: sax
* Enrica Marozzi Salmon: coro, voz en "Pretend"
* Hiliry Harvey: coro, voz en "Pretend"

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lunes, 1 de marzo de 2010

Carlos Gardel – Gardel Inédito I (1999)




La hipótesis que está mas aceptada (debido a las pruebas presentadas) es que Carlos Gardel nació el 11 de Diciembre en Toulouse, Francia. Para comprobar esto se ha presentado la partida de nacimiento del hospital San José de las Grav, donde se constata dicha información. El otro documento que lo certifica es el testamento ológrafo que dejó Gardel en donde afirmaba ser francés e hijo de Berta Gardes.

Gardel hoy en día es el símbolo del Tango en el mundo entero, y sobre eso no hay discusion. Como tampoco en que vivía en el barrio del Abasto, mas exactamente en la calle Jean Jaures 735. Tenía la costumbre de ¨acompañar¨ los acordes de alguna guitarra en la vereda de la casa junto a sus amigos. De ahí se fue haciendo ¨famoso¨ entre los puesteros que difundieron su talento.

En una fiesta conoce a Razzano y empieza una amistad que se convierte en un dúo que será historia y el trampolín para la carrera solista de Gardel. Este dúo comenzó en 1913 y duró (técnicamente) hasta 1926, luego de lo cual Gardel pasa a ser el solista.

La primera canción que Gardel graba como solista del dúo es un estilo titulado “Amargura“. En este lapso (aún hablando del dúo con Razzano) grabó unos 15 Tangos de 117 en total que quedaría como colección a todos los seguidores. Los siguientes cinco años luego de la disolución del dúo marcaron su consolidación como cantor internacional de tango.

Gardel desembarca en Nueva York en Diciembre de 1933 para debutar en la cadena NBC con una repercusión que dejó perplejos a los directivos que inmediatamente decidieron llevarlo al cine. Las últimas vacaciones del cantor las pasa en Francia, descansando merecidamente y en Marzo de 1935 vuelve a América en lo que sería su última gira que incluyó las ciudades de San Juan de Puerto Rico (Puerto Rico), Caracas (Venezuela), Bogotá y la fatídica Medellín (Colombia) en la que muere en aquel accidente aeronautico en junio de 1935.

***

Luego de un intenso trabajo de búsqueda, en 1999 en la EMI Argentina se encontraron estas grabaciones de Carlos Gardel con versiones distintas de las que vieron la luz en su época. Se trata de material que fue descartado para elegir, en su lugar, otras versiones que fueron las editadas finalmente (hoy se llamarían “outtakes”?).

Para rescatar este material hubo que restaurar discos de acetato y grabaciones de pruebas previos a 1935. Estas versiones no habian sido elegidas en su momento porque Gardel cambió la letra a último momento, porque se decidió que quedaba mejor el acompañamiento de guitarras, porque se produjo algun error (por ejemplo, en “Se llama mujer” Gardel dice: “…carece de amigos, vive pombremente“, ó en “La pena del payador” dice “…quién sabe qué honda pena lo abinam pebegrino…”)…, o simplemente porque se entendió que la había una toma mejor.

Los originales se enviaron a los estudios Abbey Road de Londres. Allí los ingenieros limpiaron las matrices y realizaron la masterizacion digital. El sonido es excelente, logrado sin desvirtuar en nada el original, y el material final una verdadera joya.


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Carlos Gardel – Gardel Inédito II (2001)





Luego de la publicación de este material, algunos coleccionistas y expertos en Carlos Gardel aclararon ciertos puntos, sobre todo acerca del material del Volúmen 2., como por ejemplo que tres versiones no eran inéditas: “Duelo criollo”, “La muchacha del circo” y “El carretero”, pero que se trataba de copias tomadas de los masters originales franceses y que tenían una calidad de sonido superior a cualquier otra publicada hasta el momento.

“Quiéreme” y “Recuerdo Malevo” no están en la discografía de Gardel, y pertenecen al cortometraje La Casa es Seria, filmada en Joinville en octubre de 1932. La música del film pertenece a Gardel y Marcel Lattés.

En definitiva, son grabaciones que recibieron un número de matriz distinto de las “standard” que aparecen en las recopilaciones conocidas. También las piezas de este volúmen fueron remasterizadas en Londres.


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sábado, 27 de febrero de 2010

Fleetwood Mac - Live (1980)




Otro Post de Luca II, para felicidad de Charly que es fan de los Fleetwood Mac.
La palabra a Luca II.

Sigue la Fleetwood Mac-manía en el blog, con el primer álbum live de la agrupación de "Rumours" (costituida por Mick Fleetwood, John Mc Vie, Christine Mc Vie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks). Publicado en 1980 el doble cd documenta el "Tusk Tour", emprendido por el grupo en octubre de 1979, contextualmente a ka salida del álbum que llevaba el mismo nombre, y finalizó casi un año después con dos conciertos sold-out en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, el 31 de agosto y el primero de septiembre de 1980.
La gira mundial tocó cuatro continentes y vio los Mac actuar en más de cien presentaciones. La selección de este álbum incluye actuaciones grabadas en los conciertos en Londres, París, Tokio y Cleveland, pero también deja espaciodimensión más "íntima", representada por las tres canciones inéditas: "Fireflies" de Stevie Nicks, "One More Night" de Christine Mc Vie y "The Farmer's Daughter", escrita especialmente para el grupo por Brian Wilson, han sido inmortalizadas, de hecho, en el Auditorio de Santa Mónica durante una actuación exclusiva para amigos y colaboradores.
Si bien las dos primeras canciones no aportan mucho a la contribución de la composición de las dos "damas" del grupo, la tercera es un sabroso entretenimiento, donde, por una vez, baja el volumen de los instrumentos para dar evidencia a las voces de los tres cantantes que armonizan d manera impecable sobre una delicada melodía en perfecto estilo Beach Boys.
Están casi todas las canciones más representativas de los últimos cinco años, pero hay también una oportunidad para mirar hacia el pasado remoto con una bien lograda versión de "Oh Well", de Peter Green. "Dreams" y "Don't Stop" fueron grabadas durante una prueba de sonido el 14 de junio 1980, antes de la presentación de la banda en el Palacio de los Deportes de París.

Luca II


Testo in italiano nei "Comentarios"


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viernes, 26 de febrero de 2010

Bruno Lauzi - Poesia Fatta Musica P.&C. (2010)






Esta estupenda compilación de nuestro "Cómplice" Luca II la tuve guardada en la gaveta por más de diez día (con el consentimiento de Luca) porque quería esperar el regreso de Charly antes de seguir con los posteos. Así que, dedicando a Charly este álbum, dejo la palabra a Luca II:


Me alegra mucho poder presentar este post dedicado a un representante de la "escuela genovesa" de cantautores, tal vez el menos reconocido por los críticos y ciertamente el más desatendido por la compañía de discos, que nunca tuvo en cuenta una reedición "seria" de su producción original en Lp, resultando ser especialmente tacaños con un artista que, por el contrario, siempre ha estado entre los más generosos con el público y con quien hacía parte de su entorno.

Bruno Lauzi ha escrito y traducido canciones memorables para las mejores cantantes italianas, pero también ha sido capaz de dejar de lado su faceta de compositor para hacerse intérprete de temas escrito por otros. Y con su voz se lo podía permitir, si se toma en cuenta que raramente esas canciones resultaban más convincentes cuando eran interpretadas por sus respectivos autores. No había nada que hacer, la mejor versión era casi siempre la de Lauzi.
Pero la humildad, el no tomarse demasiado en serio, el no querer hacer alarde a toda costa de sus opiniones sobre lo que poco que ver con la música, así como el poner su arte al servicio de los colegas, independientemente de su casa discográfica, son cualidades que no siempre pagan. Al contrario!
Otro punto en su contra era la falta de una canción de éxito que también representara una verdadera ruptura con la tradición. Hecho que podría haberse dado con "Il Poeta", si sólo hubiese tenido mayor reacción cuando salió en 1963 o cuando fue retomada, en los siguientes años, primero por Gino Paoli y después por Mina. Pero los elogios para este temas llegaron demasiado tarde para que Lauzi pudiera tener su lugar en el círculo de los "grandes" de la música pop italiana. Lugar que, más allá de las opiniones corrientes, le corresponde por derecho.
Y es la historia - contada a ritmo de vals - de aquel suicidio por amor madurado entre las salidas con los amigos del bar, bailongos de provincia y grandes juegos de naipes, que abre la compilación que hoy, gracias a Paola y Charlie (que han creado la gráfica completa), tengo la oportunidad de proponer a todos los lectores del blog.

La selección incluye canciones de los tres períodos má significativos de la discografía de Lauzi: el de los primeros años, primero con la CGD y luego con el pequeño sello Galleria del Corso (creada por Ferruccio Ricordi, alias Teddy Reno), aquel de los primeros éxitos bajo la Ariston (que publicó "Ritornerai", un "evergreen" en su repertorio) y aquel período que lo vio bajo contrato con la etiqueta co-fundada por Lucio Battisti, la Numero Uno.
El entonces director artístico, y otro socio fundador de la etiqueta, Sandro Colombini, tuvo la idea de hacer cantar a Lauzi temas los escritos por Battisti. Y Battisti, que compartía con Colombini la estimación para con el el Lauzi intérprete, se los cedía con mucho gusto, mostrando un gran aprecio por cómo el los hacía proprios sin traicionar las intenciones originales. Mi preferencia personal entre las piezas "battistianas" en esta colección, va para "L'Aquila", también por el bellísimo arreglo de Claudio Fabi, que ve al mismo Battisti en la percusión. (n.d.t.: estoy completamente de acuerdo!)

En el largo y prolífico período con la Numero Uno, encintramos casi todos los Lauzi posibles: aquel "liviano" ("Sotto il carbone", escrita por Oscar Prudente), aquel vagamente" prog "("Molecole", tomado del álbum debut del supergrupo "Il Volo"), el Lauzi folk ("Io canterò politico"), el que rinde homenaje, con un álbum completo, al songbook de un Paul Simon ya en olor de la leyenda ("Duncan", "Piccolino", "Se una donna non va").
Y el Lauzi que, con el álbum "Genova per noi", retoma el género "cabaret" de los exordios, caracterizado por divertidos temas en dialecto genovés a ritmo de brasiliano, compuestos con la ayuda de los amigos y paisanos Giorgio Calabrese, Gian Franco Reverberi y Franco Franchi. Interpretando el tema que da el título al disco, Lauzi también contribuye al lanzamiento de un cantautor todavía desconocido para el gran público: Paolo Conte. Este último había incluido la canción en su segundo álbum, sin obtener ningún éxito. Lauzi lo convertiría en un clásico del repertorio de ambos.

Cerramos con dos temas relacionados con los albores de la carrera del cantante: una es "Garibaldi Blues", un himno ingenioso al héroe de los dos mundos - cantado sobre la melodía de la famosa "Fever" de Peggy Lee - que Lauzi solía ejecutar en el escenario con el su grupo "Miguel e i Caravana"; otra es "A bertoela", una bossanova en genovés que apareció como lado B de su primer sencillo, grabado bajo el nombre del mismo grupo. La versión que nos encontramos aquí es tomada de "Genova per noi".

Luca II

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Testo in italiano di Luca II:

Sono molto contento di poter presentare questo post dedicato a un rappresentante della "scuola genovese" dei cantautori, forse il meno osannato dalla critica e sicuramente il più trascurato dalla discografia, che non ha mai preso in considerazione un recupero "serio" della sua produzione originale a trentatre giri. Dimostrandosi particolarmente avara con un artista che, al contrario, è sempre stato tra i più generosi con il pubblico e con chi faceva parte del suo ambiente. Bruno Lauzi ha scritto e tradotto canzoni memorabili per le migliori cantanti italiane, ma ha anche saputo mettere da parte la sua vena di compositore per farsi interprete di motivi scritti da altri. E con la sua voce poteva permetterselo, se si considera che difficilmente quelle canzoni risultavano più convincenti quando erano riprese dai rispettivi autori. Non c'era niente da fare, la versione migliore rimaneva quasi sempre quella di Lauzi. Ma l'umiltà, il non prendersi troppo sul serio, il non voler sbandierare a tutti i costi le proprie opinioni su ciò che, con la musica, ha poco a che fare, così come il mettere la propria arte al servizio dei colleghi, indipendentemente dalla loro appartenenza discografica, sono qualità che non sempre pagano. Anzi. Un altro punto a suo sfavore è stata la mancanza di una canzone di successo che rappresentasse anche una vera e propria rottura con la tradizione. Cosa che si sarebbe potuta verificare con "Il poeta", se solo avesse avuto maggiori riscontri quando uscì nel 1963 o quando fu ripresa, negli anni successivi, prima da Gino Paoli e poi da Mina. Ma i riconoscimenti per quel pezzo arrivarono troppo tardi perchè Lauzi potesse essere accolto nella cerchia dei "grandissimi" della musica leggera italiana. Posto che, al di là delle opinioni correnti, gli spetta di diritto.
Ed è proprio la storia - raccontata a ritmo di valzer - di quel suicidio per amore maturato tra uscite al bar con gli amici, balere di provincia e grandi partite a scopone, ad aprire la raccolta che oggi, grazie a Paola e Charly (che ne hanno curato l'intera grafica), ho l'occasione di proporre a tutti i lettori del blog.
La selezione comprende canzoni di tutti e tre i periodi più significativi della discografia di Lauzi: quello degli esordi, prima con la CGD e poi con la piccola etichetta Galleria del Corso (creata da Ferruccio Ricordi, alias Teddy Reno), quello dei primi successi curato dalla Ariston (che pubblicò "Ritornerai", un "evergreen" del suo repertorio) e quello che lo vide sotto contratto con la casa discografica co-fondata da Lucio Battisti, la Numero Uno.
L'allora direttore artistico, e altro socio fondatore dell'etichetta, Sandro Colombini, ebbe l'idea di far cantare a Lauzi i pezzi scritti da Battisti. E Battisti, che condivideva con Colombini la stima nei confronti del Lauzi interprete, glieli dava molto volentieri, mostrando grande apprezzamento per come lui li faceva propri senza tradirne le originarie intenzioni. La mia personale preferenza, tra i pezzi "battistiani" di questa raccolta, va a "L'Aquila", anche per il bellissimo arrangiamento curato da Claudio Fabi, che vede intervenire lo stesso Battisti alle percussioni.
Nel lungo e prolifico periodo targato Numero Uno, troviamo un po' tutti i Lauzi possibili: quello "easy" ("Sotto il carbone", scritta dal bravo Oscar Prudente), quello vagamente "prog" ("Molecole", ripresa dall'album d'esordio del supergruppo "Il Volo"), quello folk ("Io canterò politico"), quello che rende omaggio, con un intero album, al songbook di un Paul Simon già in odore di leggenda ("Duncan", "Piccolino", "Se una donna non va"). E il Lauzi che, con l'album "Genova per noi", ripercorre il genere "cabarettistico" degli esordi, caratterizzato da divertenti pezzi in dialetto genovese su ritmica brasiliana, composti con l'aiuto degli amici e conterranei Giorgio Calabrese, Gian Franco Reverberi e Franco Franchi. Interpretando il brano che dà il titolo al disco, Lauzi contribuisce, inoltre, al lancio di un cantautore ancora sconosciuto al grande pubblico: Paolo Conte. Quest'ultimo aveva incluso il pezzo nel suo secondo album, senza ricavarne alcun successo. Lauzi lo avrebbe trasformato in un classico del repertorio di entrambi.
Chiudiamo con due canzoni legate agli albori della carriera del cantautore: una è "Garibaldi blues", uno spiritoso inno all'eroe dei due mondi - cantato sulle note della celebre "Fever" di Peggy Lee - che Lauzi era solito eseguire in teatro con il suo gruppo "Miguel e i Caravana"; un'altra è "A bertoela", una bossanova in genovese che comparve sul retro del suo primo quarantacinque giri, inciso a nome del gruppo stesso. La versione che troviamo qui è quella tratta da "Genova per noi".

Luca II



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domingo, 14 de febrero de 2010

Peter Gabriel - Scratch My Back (2010)






Este álbum debería ser un posteo de Charly, pero visto que él está momentaneamente ausente, lo hago yo. Pero no esperen de mi parte comentario sobre este último y largamente esperado (bien 7 años) trabajo de Peter Gabriel, totalmente acústico.
Cuando mi querido "tano" regrese escribirá él mismo su post!


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Jula De Palma - Sono Timida P.&C. (2010)






Un regalo de San Valentín llegado desde Italia, de parte de los “Cómplices” Christian y Kurtiggiu. Se trata de un resumen de los cuatro fabulosos álbumes posteados por el Vampiro y con una gráfica especial para nosotros de Kurtigghiu.

Pionera en el panorama artístico italiano, Jula De Palma, cuyo nombre completo es Yolanda De Palma (Milán, 21 de abril de 1932) ha sido una de las mejores cantantes italiana de jazz, sin descuidar la música ligera.

Descubierta por el maestro Lelio Luttazzi, debutó en la radio en 1950 con un repertorio y un estilo muy innovador con respecto a las normas italianas de la época: a la melodía y los fraseos de los cantantes tradicionales, Jula contrapone su vocalización moderna, y su sentido del swing, interpretando con gusto y elegancia los standards americanos.
En la primera parte de su carrera interpreta a muchas canciones en francés, un idioma que domina a la perfección como el inglés, obteniendo un buen éxito incluso más allá de los Alpes. Además de cantar con la famosa "Orchestra d'archi ritmica" de Luttazzi, Jula de Palma es la cantante principal del grupo de Carlos Loffredo y de la orquesta de Gorni Kramer, los protagonistas de muchos programas.

Participa en numerosas ediciones del Festival de Sanremo entre 1955 y 1961 y y graba muchísimas canciones, incluyendo composiciones de los mismos Luttazzi y Kramer (Quando una ragazza a New Orleans, Souvenir d'Italie, Mia vecchia Broadway, Simpatica, Non so dir ti voglio bene), canciones de películas (Que sera sera, A woman in love, Estate violenta), temas franceses (Domino, Majorlaine, Paris canaille), estadounidenses (Mister Paganini, All the way, That old black magic) , napolitanos (Anema e core, Vieneme 'nzuonno).

En los últimos años cincuenta grabó dos EPs de jazz en inglés, "Jula in Jazz" e "Jula in Jazz 2", acompañada y dirigida por los mejores músicos italianos de la época. Desde la segunda mitad de los años sesenta, en parte por la llegada de otras tendencias musicales, y en parte por sus compromisos familiares, sus actuaciones se hacen menos frecuentes, hasta que decide retirarse en 1972.


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Tracklist

01. Sono Timida (Chiocchio-Pogliotti) (11-1959)
02. Vecchio Pino Di Villa Borghese (Lanzi) (1956)
03. 'Nu Quarto 'e Luna (Manlio-Oliviero) (1956)
04. Guaglione (Fanciulli-Nisa) (1955)
05. Anema E Core (Titomanlio-D'esposito) (10-1958)
06. Tua (Malgoni-Pallesi) (1-1959)
07. Illudimi Ancora (Borghini-Pallesi) (11-1959)
08. A.A.A. Adorabile Cercasi (Brighetti-Pallavicini-Martino)(Sanremo 1961)
09. Come Prima (Taccani-Di Paola-Panzeri) (1958)
10. Marjolaine (Revil-Lamarque-Pinchi) (1958)
11. Que Serà Serà (Evans-Livingstone-Elgos-Pinchi) (10-1956)
12. Magic Moments (Bacharach-David) (3-1958)
13. Sì..Amor (All The Way) (Van Heusen-Testoni-Abbate) (1958)
14. Nessuno (Capotosti-De Simone) (1-1959)
15. Non So Dir Ti Voglio Bene (Garinei-Giovannini-Kramer) (9-1957)
16. Che M'e 'mparato A Fa (Trovajoli-Verde-Faccenna) (1956)
17. Perchè Tu Non Vuoi (A Woman In Love) (Loesser-Panzeri) (1956)
18. Domenica E' Sempre Domenica (Garinei-Giovannini-Kramer) (5-1959)



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sábado, 13 de febrero de 2010

Bernie Taupin - He Who Rides The Tiger (1980)






Este fue el primer LP de Bernie después de su separación de Elton John a finales de los años 70. Se asoció con el ex guitarrista de los Buckinghams, Dennis Tufano, para escribir y cantar 9 originales, junto con Richie Zito en la guitarra eléctrica, Kenny Passarelli en el bajo, Joey Carbone al teclado y Carlos Vega en la batería. Entre los músicos invitados están: Jay Graydon, Steve Lukather, David Hungate, David Foster, Jai Winding, Jeff Porcaro, Tommy Funderburk, Bill Champlin, Tom Scott ... y la lista sigue. También Elton aparece en el bacup de "Love (The Barren Desert)".

El letrista detrás de muchos de los éxitos de música pop más memorables de Elton John, Bernie Taupin nació el 22 de mayo 1950, en las zonas rurales Lincolnshire, Inglaterra. El producto de una familia de agricultores, su influencia musical principal fue "Gunfighter Ballads" de Marty Robbins, que marca el comienzo de una fascinación de toda la vida con el oeste americano que surgió como un tema recurrente en toda su obra como compositor.

Taupin dejó la escuela a los 16 para aceptar un trabajo en un periódico local, seguido por una temporada en una granja de pollos; a los 17 años, respondió a un anuncio de Liberty Records que buscaba de nuevos talentos y, aunque la etiqueta no lo aceptó,Ray Williams, ejecutivo de A&R, sugirió que hiciera equipo con el aspirante a cantante y compositor Reg Dwight, quien meses más tarde adoptó el nombre de Elton John.

Aunque el dúo de pronto comenzó a escribir para Dick James Music, originalmente colaboraron exclusivamente por correo y no se encuentraron cara a cara hasta casi medio año después de su asociación; los primeros esfuerzos fueron grabados por cantantes de pop, incluidos Lulu, Roger Cook, y Brian Keith...
El resto ya es historia!

Cómplice en el viaje: Cristian


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Tracklist:

01. Monkey on My Back (The Last Run)
02. Born on the Fourth of July
03. Venezuela
04. Approaching Armageddon
05. Lover's Cross
06. Blitz Babies
07. Valley Nights
08. Love (The Barren Desert)
09. The Whores of Paris


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viernes, 12 de febrero de 2010

Tina Turner – Private Dancer (EMI Centenary Edition 1984-2010)







Tina Turner nació el 26 de noviembre de 1939 en Brownsville, Tenessee, bajo el nombre de Anna Mae Bullock. Su padre diácono en una Iglesia Bautista, fue allí donde empezó a cantar en el coro gospel.

En 1954, tras el divorcio de sus padres, ella y su hermana se mudaron con su padre a St. Louis. Fue allí donde se encontró con Ike Turner quien estaba viajando por el sur de Estados Unidos presentando un espectáculo de Rythm and Blues. A los 18 años fue a buscar trabajo como cantante. En su primera entrevista con Ike Turner, líder de los Reyes del Ritmo, le pidió que por favor la dejara cantar con ellos. La respuesta fue no. Sin embargo, insistió y logró que Turner le diera una oportunidad.

El trabajo entre Tina y Ike se volvió cada vez más cercano, al punto que se convirtió en matrimonio cuando se casaron en Tijuana en 1962. Durante los años 60 “Ike & Tina Turner” se convirtió en un número exitoso en el estudio como en presentaciones en vivo, al punto que ocasionalmente abrieron para los Rolling Stones. El éxito definitivo vino en 1971 cuando regrabaron el sencillo “Proud Mary” de Creedence Clearwater Revival.

La que debió ser la puerta para un futuro mejor, rápidamente se convirtió en la puerta del infierno. Un Ike cargado de violencia, frustración e irracionalidad empezó a agredir cada vez con más fuerza a una Tina que se sumergía en el miedo y el dolor. Finalmente, en 1974, después de varios intentos Tina Turner logró escapar de el círculo de violencia de Ike y pudo empezar su carrera en solitario. Saliendo prácticamente de la nada, logró el papel de la Reina Ácida en la ópera rock de The Who “Tommy”.

Firmó entonces con United Artists con quienes publicó varios álbumes cuyas ventas se desvanecieron al mismo ritmo de su popularidad. La presión sobre ella era grande porque tuvo que asumir muchas deudas, vivió de la ayuda social. Sin embargo, a pesar del revés de la vida supo aprovechar el último recurso que le quedaba: su nombre. Eso le ayudó a entrar en Las Vegas y a conocer a Roger Davies, un representante australiano que ayudó a reformar su perfil musical.

En 1984 lanzó “Private Dancer” cuyo sencillo “What’s Love Got To Do With It” provocó ventas por más de 11 millones de copias en todo el mundo y se quedó tres semanas en el primer lugar. De ese mismo álbum se extrajeron “Better Be Good to Me” y “Private Dancer” que también estuvieron entre las diez más populares en Estados Unidos. El disco le valió tres premios Grammy.

Como parte de las celebraciones por el Centenario del sello EMI, varios álbumes clásicos serán reeditados este año con varios bonus tracks. El primero de la serie ha sido éste disco de Tina Turner, con siete bonus tracks, incluyendo cuatro B-sides y tres remixes.


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jueves, 11 de febrero de 2010

Ivo Meirelles & Funk’n Lata – O Coro Tá Comendo (1999)





Ivo Meirelles es el hijo del fallecido compositor brasileño Ivan Meirelles, antiguo director de una de las mas famosas comparsas del Carnaval de Brasil: Mangueira. Su madre, la cantora Nanana de Mangueira, fue una gran pasista de la Scola do Samba en los años sesenta y su hermana Waninha siguió sus pasos.

Además de su pasión por el samba, Ivo se interesó por otros caminos, pasando a tener mas influencia del funk, el funk carioca y el pop. Después de haber sido él mismo director de Mangueira, se juntó con el músico Lobâo y fundó el grupo Funk’n Lata, que mezcla básicamente el funk y la batucada, resquicios de su vida en la Scola do Samba Mangueira. Funk’n Lata utiliza elementos de la música negra, el funk carioca, rap, hip hop y batucada, generando un resultado totalmente original.



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Françoise Hardy - En Anglais P.&C. (1966-2000)





Seguimos con nuestras compilaciones de Françoise Hardy en otros idiomas; esta vez es en inglés.
El álbum se compone de canciones extraidas de "If You Listen" de 1971, "This Is Françoise Hardy" de 1966, "Alone" de 1970, "En Resume" de 2000 y la última pista es "To the End" (La Comedie), un dueto con Bur.

"Alone" fue editado originariamente en South Africa, por World Record (ORR 6057), en 1969, con el título de "Francois Hardy". posteriormente, en 1970, el mismo álbum apareció en Inglaterra, Australia y Nueva Zelandia con otra tapa y con diferente título: "One-Nine-Seven-Zero"; y finalmente como "Alone", en Canada y en Estados Unidos.

Gráfica exclusiva de P.&C.


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Tracklist:

01. If You Listen
02. Just Call And I'll Be There
03. Ocean
04. The Garden Of Jane Delawnay
05. Another Place
06. Autumn Rendezvous
07. The Rose
08. Can't Get The One I Want
09. I Think It's Gonna Rain Today
10. Take My Hand For A While
11. Bown Bown Bown
12. Till The Morning Comes
13. Only You Can Do It
14. It's My Heart
15. Sometimes
16. Let My Name Be Sorrow
17. In The Sky
18. Until It's Time For You To Go
19. Revenge Of The Flowers
20. Song Of Winter
21. Suzanne
22. To The End (with Blur)


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